LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

Una secuela esperada, la de '300: El origen de un imperio', con Zack Snyder como productor.
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

'El gran Hotel Budapest' o el maravilloso mundo del director Wes Anderson. Además, con un reparto increíble: Ralph Fiennes, Saoirse Ronana, Adrien Brody, Harvey Keite, Tilda Swinton, Edward Norton...
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

Vuelve El Capitán América en 'El soldado de invierno', con un Chris Evans arropado por un reparto de lujo con Scarlett Johansson, Robert Redford o Samuel L. Jackson.
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

Darren Aronofsky se pasa a la superproducción bíblica con 'Noé', con Russell Crowe y Jennifer Connelly como protagonistas.
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

'Godzilla' ruge de nuevo en las pantallas de cine con la espectacular adaptación dirigida por Gareth Edwards.
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

Una esperada secuela, la de 'El amanecer del planeta de los simios'.
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LOS ESTRENOS DE LA SEMANA

Uno de los acontecimientos cinéfilos del año: 'Boyhood (Momentos de una vida)'.
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Nominaciones a los Oscar 2015

Publicado por Maria Bustos


Este año las películas con más candidaturas para las estatuillas de oro han sido 'Birdman', 'El Gran Hotel Budapest' y 'The Imitation Game', mientras que se han echado en falta algunas películas como 'La Lego película', 'Guardianes de la Galaxia' y 'Perdida', entre otras.

Aquí os dejamos la lista completa.

Mejor Película


El francotirador

Birdman

Boyhood

El gran hotel Budapest

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Selma

La teoría del todo

Whiplash


Mejor Director


Alejandro González Iñárritu (Birdman)

Richard Linklater (Boyhood)

Bennet Miller (Foxcatcher)

Wes Anderson (El gran hotel Budapest)

Morten Tyldum (The Imitation Game (Descifrando Enigma)


Mejor Actor Principal


Steve Carell (Foxcatcher)

Bradley Cooper (El francotirador)

Benedict Cumberbatch (The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Michael Keaton (Birdman)

Eddie Redmayne (La teoría del todo)


Mejor Actriz Principal


Marion Cotillard (Dos días, una noche)

Felicity Jones (La teoría del todo)

Julianne Moore (Siempre Alice)

Rosamund Pike (Perdida)

Reese Witherspoon (Alma salvaje)


Mejor Actor de Reparto


Robert Duvall (El juez)

Ethan Hawke (Boyhood)

Edward Norton (Birdman)

Mark Ruffalo (Foxcatcher)

J. K. Simmons (Whiplash)



Mejor Actriz de Reparto


Patricia Arquette (Boyhood)

Laura Dern (Alma salvaje)

Keira Knightley (The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Emma Stone (Birdman)

Meryl Streep (Into the Woods)


Mejor Guión Original


Birdman

Boyhood

Foxcatcher

El gran hotel Budapest

Nigthcrawler


Mejor Guión Adaptado


El francotirador

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Puro vicio

El gran hotel Budapest

Whiplash


Mejor Película de Animación


Big Hero 6

Cómo entrenar a tu dragón 2

Los Boxtrolls

Song of the Sea

The Tale of Princess Kaguya


Mejor Película de Habla No Inglesa


Ida

Leviatán

Tangerines

Timbuktu

Relatos salvajes


Mejor Largometraje Documental


Citizen Four

Finding Viviane Mayer

Last Days in Vietnam

Salt of the Earth

Virunga


Mejor Cortometraje Documental


Crisis Hotline: Veterans Press 1

Our Course

The Reaper

White Earth

Joanna


Mejor Cortometraje de Acción Real


Aya

Boogaloo and Graham

The Phone Call

Butter Lamp

Parvaneh


Mejor Cortometraje de Animación


The Bigger Picture

Feast

Me and my Moulton

A Single Life

The Dam Keeper


Mejor Banda Sonora Original


El gran hotel Budapest

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Mr. Turner

Interstellar

El gran hotel Budapest


Mejor Canción Original


Todo es fabuloso (La Lego película)

Glory (Selma)

Grateful (Beyond the Lights)

I’m Not Gonna Miss You (Glenn Campbell)

Lost Stars (Begin Again)


Mejor Montaje de Sonido


El francotirador

Birdman

El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos

Interstellar

Invencible (Unbroken)


Mejor Mezcla de Sonido


El francotirador

Birdman

Interstellar

Invencible (Unbroken)

Whiplash


Mejor Diseño de Producción


El gran hotel Budapest

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Interstellar

Into The Woods

Mr Turner


Mejor Fotografía


Birdman

El gran hotel Budapest

Ida

Mr. Turner

Invencible (Unbroken)


Mejor Maquillaje y Peluquería


Foxcatcher

El gran hotel Budapest

Guardianes de la galaxia


Mejor Diseño de Vestuario


El gran hotel Budapest

Puro vicio

Into the Woods

Maléfica

Mr. Turner


Mejor Montaje


Boyhood

The Imitation Game

El francotirador

El gran hotel Budapest

Whiplash


Mejores Efectos Visuales


Capitán América: El soldado de invierno

El amanecer del planeta de los simios

Guardianes de la galaxia

Interstellar

X-Men: Días del futuro pasado

Birdman: El fracaso como oportunidad.

Publicado por Cinematic


Kevin Smith. Isaki Lacuesta. Alejandro González Iñárritu. Cineastas con una especialidad, un tipo de películas que saben que les va a salir bien, y que tal vez por lo aburrido de esa comodidad, deciden dar un giro de 180 grados a su carrera y probar a hacer algo diferente, con resultados muy dispares. Iñárritu puede darse por satisfecho esta vez, pues su transformación ha gozado del beneplácito de crítica y público. Parabienes aparte, lo cierto es que Iñárritu ha asumido no pocos riesgos que merecen ser reconocidos, pero sin sobredimensionar el impacto que tienen sobre la película en sí. Así como Boyhood era una película rodada a lo largo de 12 años, Birdman tiene un gancho conceptual similar: una película rodada como si fuera un único plano secuencia. Ambos ganchos son atractivos, pero eso no quita para que la primera tenga algunos momentos de tedio, y para que la segunda a veces se pase de efectista y confunda histerismo con profundidad.

Un film como Birdman caería al vacío sin unos intérpretes no ya capaces, sino que comprendan los entresijos, el mundo y la cultura de la actuación. Michael Keaton borda una de esas actuaciones que parecen hechas sin el más mínimo esfuerzo y en la que cada gesto es fluído. Edward Norton no podía sentirse más a gusto con el personaje nihilista y bukowskiano que le ha tocado. Pero sobre todo, quiero destacar a Andrea Riseborough. Rebosa vida en cada plano y engrandece cada escena en la que aparece. Por eso es una lástima que se olviden de ella en la segunda mitad de la película. Si he de elegir un punto flaco en el cast, este sería Emma Stone. La culpa no es tanto de ella, sino de un guión que la reduce un poco al cliché de adolescente-rebelde-y-oscura-que-piensa-que-su-padre-tiene-la-culpa-de-todo. Tiene un monólogo en asfixiante primer plano y ella no lo hace mal, pero las palabras que pronuncia son obvias. Ya nos las intuíamos sin que dijese nada. Hay otro momento en el que Naomi Watts llora después de una actuación y dice "ojalá tuviera más amor propio". Ese es uno de los errores de la película. Aún con toda su innovación formal, sigue habiendo momentos en los que cae en lo redundante y cree necesario verbalizar las emociones de los personajes, como si confiara en la imaginación del espectador a veces sí y a veces no.


Un arma de doble filo que tiene la película es la auto-consciencia. Por un lado, permite que haya grandes escenas como aquella en la que el personaje de Edward Norton quiere follar con Naomi Watts en plena actuación. Hacer algo indiscreto con un público mirando le produce una sensación de disfrute con el vértigo, sensación inalcanzable para él fuera del escenario. La auto-consciencia del personaje sobre su tara ha propiciado una gran escena en la que las barreras entre la actuación y la no-actuación, o el ser, se difuminan. También tenemos las reyertas dialécticas entre la mujer en el bar y el protagonista, el eterno conflicto 'crítica vs. artista', que muestra muy bien cómo ambas partes son muy auto-conscientes, pero tienen ideas preconcecibas sobre la otra y no están dispuestas a dar su brazo a torcer. Por otro lado, tenemos momentos que se coartan a sí mismos debido a su auto-consciencia. Como ese en el que, estando en una azotea, el personaje de Edward Norton le viene a decir al de Emma Stone que por mucho que se esfuerce en ir a contracorriente sigue siendo hermosa. Después, ella analiza lo que él ha dicho, lo llama cursi o algo similar, y la magia de la escena se pierde. Como una estrella se disecciona a sí misma hasta perder su brillo. Por ello, esta auto-consciencia puede provocar el desligamiento emocional en algunos espectadores.

Birdman está cerca de ser una gran película, pero las expectativas pueden llevarnos a engaño: es una historia conocida contada de modo diferente. A un hombre caído en declive se le presenta la oportunidad de recobrar cierto prestigio. Las dudas y neuras acumuladas durante los años de sequía amenazarán con sabotearle (en ocasiones recuerda a 'Cisne negro' con esa voz interior destructiva que amenaza con provocar un desdoblamiento en la personalidad), y sólo si consigue superar esas dudas conseguirá hacer del fracaso una oportunidad. Una oportunidad para nutrir su actuación del peso de experiencia que proporciona el fracaso, y así darle una utilidad. No es material revolucionario, pero el modo en el que nos lo cuentan es estimulante y contiene escenas memorables. Como esa en la que tras la última actuación, vemos a Spiderman, a un transformer y demás iconos del cine comercial campando a sus anchas en el escenario; figuras populares rebozándose en su ridículo. Y lejos de ese espectáculo banal, que es como un cáncer para el artista, vemos algo en el cielo. ¿Qué son? ¿Meteoritos? ¿Estrellas fugaces? No. Son estelas de vuelos personales que creíamos improbables.




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Crítica: Musarañas

Publicado por Maria Bustos


Las musarañas son mamíferos que viven en madrigueras, y a modo de madriguera también viven las dos protagonistas de la ópera prima de Juanfer Andrés y Esteban Roel, dos profesores de cine, que después del éxito de su cortometraje “036”, nos presentan en la gran pantalla un drama familiar ambientado en la España de los 50.

La película, producida por Álex de la Iglesia, y deliciosamente interpretada por Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Luís Tosar y Hugo Silva, nos retrata la peculiar vida de Montse, una joven que padece de agorafobia y que vive junto a su hermana pequeña, a la que cuida desde que murió su madre  y cuyo padre no volvieron a ver desde que acabara la Guerra Civil.

Pese a que se aferra a su hermana, que funciona como su único punto de unión con la realidad, Montse se encierra tanto en su casa como en ella misma, atascada en el pasado, rememora a todas horas el recuerdo de sus figuras paternas, en especial la imagen de su padre, un magnífico Luís Tosar que le persigue a modo de fantasma de las navidades pasadas, reprochándole sus pecados y su comportamiento.

Así pues, la casa funciona como cárcel, tanto para Montse como para su hermana (cuyo nombre no llegamos a saber en ningún momento de la película) que vive atada inevitablemente a ella. Al no compartir con Montse esa devoción católica que tanto le caracteriza, la relación entre las dos mujeres es tensa y conflictiva, ya que la primogénita la maltrata cada vez que sale y queda con alguien.

Todo cambia cuando un día, Carlos (Hugo Silva), el vecino de arriba se cae de las escaleras y pide ayuda a Montse, que se las apaña para meterlo en su hogar e intentar curarle la pierna rota. Lo que parece una buena acción, se convierte en un secuestro en toda regla, y es aquí donde empieza la pesadilla de Carlos, y de la pequeña de la casa, asustada por el frívolo comportamiento de su hermana mayor.

Musarañas es una película de terror con potentísimas imágenes sangrientas y delirantes que nos conducen hasta su desenlace, pero funciona también como un drama familiar, o una comedia negra. Ese estilo tan característico que desprendía Álex de la Iglesia al principio de su carrera, se ve reflejado en cierto modo entre los fotogramas de esta  producción española que se estrenaba justo el día de navidad, una fecha elegida con mucho sarcasmo, ya que la película se aprovecha inteligentemente de la religión para sacar la carcajada a los espectadores menos creyentes. Y es que el personaje de Montse, tan severo y religioso, contrasta con el carácter afable y ateo de su hermana pequeña, formando continuamente un eterno tira y afloja que se estira hasta el final del metraje.
Esta dicotomía entre sus personajes principales la lidera Macarena Gómez con una impresionante interpretación de una mujer que ha perdido su identidad y su juicio a causa de una juventud traumática. Sin duda, reflejo de ese contexto histórico que se veía separado por una línea que dividía la modernidad y la dimensión más tradicional.



Así pues a través de estos dos personajes se nos muestran dos mundos muy diferentes, el de Montse con su enfermedad que le impide salir de casa y que se ve obligada a ver el mundo a través de un cristal, representa esa España atada a la tradición y la religión. Mientras que su hermana, que sí que tiene acceso al exterior, y se aleja de las creencias de Montse, se ve arrollada por ella a un abismo de oscuridad.

La fotografía ayuda a crear un ambiente opresivo que refleja el carácter de Montse hacia los que le rodean. Además, sus directores, Juanfer Andrés y Esteban Roel, nominados a mejor dirección novel en la próxima edición de los premios Goya, construyen una narración, que a pesar de sus sobresaltos y excesos no pierde el norte en ningún momento, desembocando en un final edípico y tajante.

8/10



Zinebi 2014: 'Hipopotamy' y la animación redentora.

Publicado por Cinematic


Este año he tenido la suerte de formar parte del jurado para el premio Cineclubfas en la 56ª edición del Zinebi (Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao). Hemos visto más de 65 cortometrajes en la sección de Concurso Internacional, de los cuales hemos escogido 'Hipopotamy' de Piotr Dumala como ganador.

'Hipopotamy' es un cortometraje que habla de la condición humana sin tapujos. No lo hace de un modo vago, ni usa la condición humana para justificar una propuesta vacía... Habla de la condición humana desde el puñetazo en la tripa, de forma directa. En esencia, 'Hipopotamy' expone la eterna disyuntiva entre Jean-Jacques Rousseau y Thomas Hobbes. ¿Es el ser humano bueno o malo? ¿Es el estado natural de los hombres la guerra interminable movida por motivos egoístas? ¿O es posible la armonía? Al principio, el corto nos muestra una escena idílica, con unas mujeres bañando a sus hijos... Hasta que el hombre hace acto de presencia, con sus demandas, su agresividad y sus armas erectas. El caos no tarda en sembrarse, y se suceden imágenes que remueven lo más hondo del alma. El hombre somete a la mujer y destruye al infante. Cuando lo más terrible ha pasado, vemos la posibilidad de una reconciliación en una danza ritual entre hombre y mujer, un lenguaje gestual que sirve para sincronizar las necesidades de una y otra parte. ¿Será la paz duradera? ¿Hemos hallado en la evolución del lenguaje y el conocimiento un modo de romper con lo primitivo? ¿O está la historia destinada a repetirse de otras formas y con diferentes colores?

El cortometraje adquiere un cariz cínico si pensamos en que describe los cimientos de nuestra sociedad patriarcal. Que todo empezó así, y que lo que somos ahora es un resultado de esos actos y esa violencia. Es perturbador entretener la noción de que lo que hemos visto en el cortometraje es una versión extrema de cosas que vemos en el día a día. Después de todo, las relaciones de poder siguen campando a sus anchas en el presente, sólo que camufladas bajo tácticas más sutiles. Puede que sólo hayamos encontrado sistemas más complejos y menos directos de lidiar con nuestra violencia inherente.


Piotr Dumala no es ajeno a temas de calado, pues trabajos anteriores suyos incluyen una versión animada de 'Crimen y castigo' de Fiódor Dostoyevski o una biografía de Franz Kafka. La música de Alexander Balanescu (colaborador habitual de Michael Nyman) enfatiza esa dualidad entre lo más bello y lo más cruento del ser humano. Paz, guerra, sexo, violencia, miedo, muerte, fin abrupto de la inocencia... Temas inmortales que son tocados y tratados con exquisita sensibilidad en menos de un cuarto de hora.

Para encontrar el motivo del título del cortometraje, baste con extraer un par de datos sobre el ciclo vital de los hipopótamos y su comportamiento: "El apareamiento se produce en el agua, con la hembra sumergida durante la mayor parte del encuentro y emergiendo su cabeza periódicamente para tomar aire. Son uno de los pocos mamíferos que dan a luz bajo el agua, como los cetáceos y sirénidos". Y la más reveladora: "Cuando una zona está densamente poblada, o cuando un hábitat comienza a hacerse pequeño, los machos dominantes intentarán en ocasiones matar a las crías, aunque las madres los defenderán de forma muy agresiva, llegando incluso a matar al macho".



El premio para 'Hipopotamy' es también representativo del buen nivel general de animación que ha habido este año en el Zinebi. El nivel de los documentales ha sido paupérrimo (con la excepción de 'Shipwreck', 'Nae Pasaran', 'Haunted Hòa Lò' y 'Elena Asins: Génesis') y el nivel de la ficción en imagen real ha sido cuanto menos muy irregular: propuestas interesantes como 'Washingtonia', 'Sem Coraçao', 'Os Meninos Do Rio' o 'Lystopad' eran minoría. Había, ante todo, una omnipresencia de la peor vertiente del cine social; desapegada, oportunista y carente de compromiso real. Mientras tanto, los cortos de animación se han mantenido en un buen nivel, con propuestas inventivas y originales. La mayoría se orientaban más hacia lo amable y sentimental, aunque tampoco faltaban cortos de animación que hablaban de temas muy adultos como el existencialismo en 'Simulacra' o 'Man On The Chair' o la crueldad del ser humano en el caso que nos ocupa.

El poeta Jacek Dobrowolski ha descrito el mundo de Piotr Dumala de la siguiente manera: "It is a kingdom of night and darkness, dreams and shadows, where silhouettes emerge from the dark and stay in semi-darkness, never appearing in bright daylight (...) It is the world of a child amazed with the beauty and cruelty of the World".

Por último, sirva una frase del propio Piotr Dumala en la que deja claro su mayor interés artístico: "What interests me in filmmaking is the penetration of the 'ultimate mystery', that is of what we do not understand, what has got no name. It is God for some, fate for some, and for others it is the reason for the existence of the world or the question who we are and why we exist, or what drives what we do. We live to approach this mystery - everyone in their own way."





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Primer tráiler de 'Los Vengadores 2: La Era de Ultron'

Publicado por Maria Bustos


Los Vengadores vuelven en mayo de 2015, y esta vez Hulk (Mark Ruffalo), Iron Man (Robert Downey Jr), Thor (Chris Hemsworth), Ojo de Halcón (Jeremy Renner), la Viuda Negra (Scarlett Johansson) y el Capitán América (Chris Evans), se las tendrán que apañar si quieren salvar al mundo del villano Ultron para mantener la paz. 

Alexis Denisof, James Spader, Aaron Johnson, Elizabeth Olsen, Thomas Kretschmann, Paul Bettany, Josh Brolin, Samuel L. Jackson, Hayley Atwell, Don Cheadle, Claudia Kim, y Andy Serkis, completan el reparto.



Sitges'14: Crítica 'Annabelle'

Publicado por Maria Bustos


Si justo hace poco más de un año, James Wan se las apañó para cautivarnos con la solidez con la que había orquestrado 'Expediente Warren', la aparición de un spin-off protagonizado por uno de los objetos más espelunantes de la película, causó expectación en todos los fans del género. Sin embargo, sin Wan a la cabeza, y con bastante prisa para que llegará rápido a las salas, el resultado desastroso de 'Annabelle', no lo ha pagado la horrible muñeca, sino los espectadores que esperaban algo más que el cumulo de artificios de siempre.

Pero contextualicemos, 'Annabelle' relata la historia de una pareja que va a tener un niño, y claro está, el padre no encuentra mejor regalo para su mujer que una muñeca horripilante antes de dar a luz. Por supuesto, la felicidad de la pareja desaparece pronto cuando una noche, dos miembros de una secta satánica entran en su casa y los atacan con un cuchillo. A pesar de las heridas, la pareja sobrevive y los miembros de la secta acaban muertos, pero no sin antes haber invocado a un ente maligno que se queda atado a la muñeca, y empieza a acecharlos para conseguir el alma de uno de ellos. Recapitulando, tenemos: una muñeca siniestra, un demonio, una casa encantada, una pareja asustada, y una buena dosis de efectos de sonido. ¿Qué puede fallar? Todo. Si todas las cosas que acabo de nombrar no os suenan a los clichés de toda la vida, tenemos un problema. Al contrario de 'Expediente Warren', 'Annabelle' se va por la vía fácil, aprovechando largos primeros planos de la muñeca, y trucos de montaje tan precarios que pueden sacar de quicio a cualquiera.

Sí, no lo vamos a negar, la película tiene dos o tres sustos bastante logrados que consiguen que avance la acción un poco más rápido. Pero a posteriori, el metraje es tan esquemático y previsible, que poco pueden hacer unos cuantos planos diseñados para aterrorizar al público. Por no hablar de la figura del cura, y de la librera especializada en lo paranormal, su mera función en la trama no hace otra cosa que hacerla más previsible y darle un toque aún más patético al guion.



Para quienes aún se estén planteando sentarse en una butaca para verla, deben de saber que Annabelle no sería la compañera de juegos de Chucky, su presencia es estática y sin mucha relevancia. Si por otro lado, buscan algo digno, o parecido a 'Expediente Warren', la relación entre las dos cintas se limita a la presencia breve de la endemoniada muñeca, que incluso puede llegar a ser más expresiva que los dos actores que la protagonizan. En resumen, el misterio de la muñeca encantada lo resuelven, pero nos dejan con otro mucho más preocupante, el éxito de taquilla que ha tenido su primer fin de semana en Estados Unidos.

Nosotros nos quedamos con el terrible recuerdo de los silbidos en el pase matinal de la película en el Festival de Sitges de este año.



1/5


Sitges'14: Rueda de prensa 'REC 4'

Publicado por Maria Bustos



 Después de la inauguración de la 47º edición del festival internacional de cine fantástico de Catalunya, con la nueva entrega de REC dando la bienvenida a los espectadores, su equipo: Jaume Balagueró, Manuela Velasco, Ismael Fritschi, y Paco Manzanedo, ofrecieron una rueda de prensa en la que su director, Balagueró, remarcó que ‘REC4’ es el cierre definitivo de la saga, y que al menos por su parte, no realizaría más entregas. También aclaró, que aunque en esta nueva película se había alejado del found footage, el nivel de presupuesto se había mantenido más o menos al mismo nivel que en las anteriores películas.

Por otro lado, Manuela Velasco reconoció que había sido todo un reto grabar las escenas de acción en el barco, ya que al tratarse de espacios tan pequeños, la preparación física antes de rodar las escenas más dinámicas, había sido mucho más dura que en las anteriores entregas de la saga de
no-muertos.



Sitges'14: Arrancando motores

Publicado por Maria Bustos


Hoy empieza el Festival Internacional de cine fantástico y de terror de Catalunya, un año más, la ciudad de Sitges acoge el mejor cine del género, y durante una semana pasarán celebridades como: Pablo Helman, Charles de Lauzirika, Roland Emmerich, que se llevará el Gran Premi Honorífic, Maria Kosty, Luigi Cozzi, Alex de la Iglesia, Jaume Balagueró y muchos más.

Además, durante los nueve días que dura el festival, se podrán ver películas como 'Maps to the Stars'(lo nuevo de Cronenberg), 'Magical Girl' (ganadora en San Sebastian a mejor película y mejor director), 'I Originins'(lo nuevo del director de 'Otra Tierra'), 'El Doble' de Richard Ayoade, 'Adieu au langage' la última película de Godard, y la esperada 'Under the Skin', de la cual podéis encontrar una crítica aquí, y muchísimas más de las que os informaremos durante el festival.

'REC 4', junto a su director, Jaume Balagueró, son los encargados de inaugurar esta 47º edición de uno de los festivales de cine del género más detacados. Atentos a la página, porque os iremos informando de todo.


Tráiler de 'Serena', con Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

Publicado por Maria Bustos


Lo nuevo de Susanne Bier ('Después de la Boda', 'En un mundo Mejor') es una adaptación de la novela romántica de Ron Rash, y se estrena el próximo 31 de octubre. Aquí os enseñamos el tráiler oficial en castellano. 

La película, ambientada en la época de la Gran Depresión Americana narra las vivencias de un matrimonio (Jennifer Lawrence y Bradley Cooper), que se traslada a Carolina del Norte pare crear un nuevo negocio maderero. Después de lograr adaptarse a la vida en el campo, todo se complica cuando a raíz de perder el niño que esperaban, la pareja descubre que Serena (Lawrence) no podrá tener hijos.




Zinemaldia 2014: Todo el palmarés

Publicado por Jon R. R.

El 62 Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián (Zinemaldia) se ha clausurado con el siguiente palmarés:

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA
MAGICAL GIRL, Carlos Vermut

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
VIE SAUVAGE, Cédric Kahn

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR
Carlos Vermut, MAGICAL GIRL

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Paprika Steen (SILENT HEART)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Javier Gutiérrez (LA ISLA MINIMA)

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Alex Catalán, LA ISLA MINIMA

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN
Denis Lehane (THE DROP)

Se han cumplido las expectativas, afortunadamente. La película Magical Girl de Carlos Vermut ha triunfado y se ha llevado los dos premios gordos: dirección y película. ¡Bravo! En realidad, pocas sorpresas ha habido en el palmarés, ya que las favoritas están ahí. Bueno, sí que ha habido un par de sorpresas, como la del mejor guión para todo un grande de las historias "negras" como Denis Lehane y The drop, gran película noir con unos actores magníficos (Tom Hardy, Noomi Rapace, James Gandolfini...). Otra sorpresa, al menos para mí, ha sido la mejor actriz: Paprika Steen por Silent Heart de Bille August. Si bien la película no me gustó, es verdad que ella no estaba mal, en un tono muy dramático (pues la película así es), pero estando otras actrices que en mi opinión estaban mejor, pues eso, que ha sido una sorpresa.


Otros premios paralelos son:

Premio KUTXA Nuevos Directores
Urok / The lesson, de Kristina Grozeva y Petar  Valchanov (Bulgaria-Grecia)

MENCIÓN ESPECIAL DE NUEVOS DIRECTORES
Modris, de Juris Kursietis (Letonia-Grecia-Alemania)

PREMIO HORIZONTES
Güeros, de Alonso Ruizpalacios (Mexico)

MENCIÓN ESPECIAL HORIZONTES LATINOS
Ciencias naturales, de Matías Luchesi (Argentina-Francia)
Gente de bien, de Franco Lolli (Francia-Colombia)
PREMIO DEL PÚBLICO
The salt of the Earth, de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado

PREMIO DEL PÚBLICO (PELÍCULA EUROPEA)
Relatos salvajes, de Damián Szifron

PREMIO DE LA JUVENTUD
Güeros, de Alonso Ruizpalacios (Mexico)

PREMIO IRIZAR A LA MEJOR PELICULA VASCA
Negociador, de Borja Cobeaga

Zinemaldia '14: 'Regreso a Itaca', de Laurent Cantet

Publicado por Jon R. R.

PERLAS


Pasado. Amistad. Miedo. Teatralidad.



Amadeo. Rafa. Aldo. Eddy. Tania. Cinco amigos que se reúnen en la azotea de un edificio en La Habana, tras dieciséis años sin mantener contacto. Celebran el reencuentro. Bailan, ríen. Recuerdan tiempos pasados. ¿Mejores? No se sabe. “Eva María se fue, buscando el sol en la playa…”, suena la mítica canción de Formula V y siguen bailando. Beben. ¿Todos? No, todos no… llegará un punto en el que descubriremos que hay un personaje que no bebe debido a alcoholismos pasados… Pasados. Cada uno tiene el suyo, lógicamente. Pronto iremos descubriendo cuáles son los pasados que cada uno de estos cinco personajes tiene. Respecto a  su futuro… quién sabe si lo tendrán. Claro que sí, lo tendrán como lo tendremos cada uno de nosotros, el caso será saber si será mejor o peor que lo que tienen, que lo que han tenido.

La Habana, 2014. Las cosas no han cambiado demasiado en décadas. Los personajes, y con ellos el espectador, aprovecharán para reflexionar precisamente sobre eso: no se sabe qué futuro tendrán. Sigue existiendo el Régimen. Un duro régimen que sigue controlándoles y con el que han visto siempre coartadas sus libertades, sus pensamientos, sus actos. Daba igual. Se tenían los unos a los otros. Eran amigos. Hasta que uno de ellos decidió irse, desapareció a España.

La amistad. Por encima de (casi) todo. Junto a la denuncia política de la que hacen gala todos los personajes, ante todo son amigos. Y su amistad a veces (muchas veces) pendiente de un hilo, será lo que se analice realmente. ¿Por qué actuaron de la forma que lo hicieron, en determinados casos? Es hora de poner las cartas sobre la mesa… Seamos todos optimistas: los buenos amigos, los llamados “de toda la vida” sabemos que siempre van a estar ahí, que no nos fallarán. De lo contrario, eso de “toda la vida” pierde sentido y es cuando nos damos cuenta de que es el oportunismo lo que ha hecho acto de presencia.

El miedo. Los cinco personajes han tenido miedo. Todavía viven con miedo, especialmente estando en el país en el que están. Nosotros, los espectadores, les comprendemos. Sabemos que cuando el miedo aparece, todo está a punto de derrumbarse como si de un castillo de naipes se tratara… pero sí, de nuevo ahí estarán los amigos, los viejos y buenos amigos. Con ellos se discutirá y muy posiblemente se les mande a la mierda en no pocas ocasiones… pero ahí seguirán estando. El miedo hay que combatirlo, y no hay mejor manera de hacerlo que hablando.

Como se ve, toda la película es una reflexión sobre la amistad, sobre la política, los sueños perdidos, los logrados, quiénes éramos y en qué nos hemos convertido, sobre las mentiras (las que decimos y las que nos dicen…). Es un guión sensacional, escrito a cuatro manos por el propio Laurent Cantet y el autor de la obra en la que se basa libremente, Leonardo Padura, donde además de hablar de todas esas cosas, también se habla de la Cultura: Joan Manuel Serrat, Tapiès, Bolaño, los Rolling Stones, los Beatles (no creo que sea casual esta mención, precisamente es en una azotea donde estos amigos se reúnen), etcétera.


La estructura es puramente teatral. Siempre en la azotea y con el único cambio de escenario para una cena en el interior de una casa (momento a partir del cual, todo hay que decirlo, baja algo de ritmo), el texto de la película perfectamente se podría ver representado sobre un escenario. Esto es algo que se le puede criticar a la cinta, pero las reflexiones vertidas y los lugares donde Cantet coloca la cámara de forma que no aburra en ningún momento, hacen que uno se deje llevar y piense profundamente sobre las cosas que se comentan.

En cuanto a los actores, los cinco están fantásticos. Personalmente sólo conocía a Jorge Perugorría, pero los otros no desmerecen en absoluto. Transmiten ese pesar, esas ilusiones (perdidas, casi todas), ese saber estar frente a la cámara y saber decir las cosas cuando hay que decirlas (y cómo decirlas)… Hacen que uno disfrute del recital.

Eso sí, como he apuntado antes, es muy fácil que el tipo de historia y cómo está hecha canse a algunos espectadores y haga que no interese en absoluto lo que les cuentan. Pero por mi parte, tras el tropiezo de Foxfire (presentada hace dos años en Sección Oficial), Laurent Cantet vuelve a interesarme.

Zinemaldia '14: 'La isla mínima', de Alberto Rodríguez

Publicado por Jon R. R.


True detective (varios directores, 2014-).
Se7en (David Fincher, 1995)
Arde Mississippi (Alan Parker, 1988)
Memories of murder (Bong Joon-ho, 2003)

Ahí están algunas de las grandes referencias a las que uno acudirá sin duda alguna al ver La isla mínima, de Alberto Rodríguez, primera película a concurso en la Sección Oficial del Zinemaldia. Una película que como las cuitadas, posee ambientes turbios, lluvia sobre los personajes, marismas y lagunas, y por supuesto… asesinatos por resolver y unos personajes por lo general con mucho que ocultar, que con unas pocas miradas ya pueden hacer dudar a sus compañeros de escena e incluso al espectador de cuáles son sus intenciones o qué les ha llevado donde están (personajes que por cierto también ha sabido muy bien tratar en el cine español alguien como Enrique Urbizu).

Dos niñas adolescentes han desaparecido en un pueblo que podría denominarse de la “España profunda” y un par de policías acuden a investigarlo. Usan traje y llevan corbata. Uno lleva una libreta, donde apunta y dibuja cosas. Empiezan a investigar y como suele pasar siempre en este tipo de historias, nadie sabe nada. Nadie quiere saber… y nadie debe saber.



Alberto Rodríguez está demostrando que se maneja con mucha solvencia dirigiendo thrillers. Lo hizo con Grupo 7 y ahora lo vuelve a conseguir con la que nos ocupa. Ambas están muy bien ambientadas también, una en la Sevilla del 92 y esta en la España de la Transición. Personalmente creo que logra enganchar mejor al espectador en La isla mínima, en el sentido de tenerlo en suspenso, sin ir directo al grano (malo sería si así fuera) pues es todo mucho más contenido, mientras que Grupo 7 era más trepidante en muchos aspectos (y no me refiero a la interpretación de Mario Casas). La isla mínima tiene unas localizaciones brutales, pareciendo el parque de Doñana y alrededores la mismísima Louisiana estadounidense y esa es una de las cosas que más sorprende del film, quién iba a decir que en este país podría haber semejantes localizaciones. Localizaciones que hacen que se pegue el calor, que uno tenga miedo a caerse al agua de la marisma, que sufra la lluvia, torrencial cuando le da por aparecer… Todo logros de la historia y de Alberto Rodríguez.

Los dos actores protagonistas, Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez, están sensacionales. Efectivamente están a la altura de Woody Harrelson y Matthew McConaghey, de Brad Pitt y Morgan Freeman, de Gene Hackman y Willem Dafoe… Construyen unos personajes que con un buen guión detrás y unas miradas en las que con gestos mínimos logran entenderse y desprender química. Además, les apoya nada menos que Antonio de la Torre (en un breve papel, pero intenso sin duda), Nerea Barros como la madre de las chicas desaparecidas, y Jesús Castro, rostro joven muy de actualidad debido al gran éxito de taquilla que está suponiendo la película El niño (Daniel Monzón, 2014), que protagoniza.


Evidentemente la película tiene sus pegas, y una de ellas podría ser la cantidad de referencias que tiene, como las ya mencionadas. Es decir, en ese sentido no aporta gran cosa nueva a este tipo de películas de género. Además, la parte central quizá resulte algo repetitiva, quizá aburrida o larga en alguna ocasión… Pero me gustaría atribuirle eso al ritmo que lleva la peli en sí, que ya he dicho que no es trepidante (aunque sí que logra esa sensación en varios momentos).

Creo que poca cosa negativa más puedo decir sobre La isla mínima. Simplemente y para resumir, reiterar que es un buen trabajo, un buen thriller que hay que aplaudir por sus formas, por la historia, por los personajes y por sus actores.

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