A primera vista, uno de los atractivos de An Education era el reencontrarme con la directora Lone Scherfig, la firmante de títulos tan notables como Italiano para principiantes o Wilbur se quiere suicidar, con el añadido de comprobar cómo se había desenvuelto la danesa en una historia de ambiente y producción tan típicamente británica. Aunque una vez vista la película, lo que compruebo realmente es que lo más meritorio es la estupenda interpretación de su joven protagonista, una Carey Mulligan que ya empieza a crecer desde que tuvimos oportunidad de verla en Orgullo y prejuicio de Joe Wright.

Una actuación la de Carey Mulligan llena de expresividad y matices, que la ha hecho al menos candidata a un buen número de premios, de más o menos prestigio mediático y de entre los que se reparten a finales e inicios de cada temporada cinematográfica. Así que, y esperando que Mulligan no se convierta en un futuro en una de esas actrices creídas e insoportables, su buen hacer es lo mejor de An Education.

Está basada en las propias experiencias de la periodista Lynn Barber (en un guión adaptado por Nick Hornby, de Alta fidelidad), lo que conlleva el lógico retroceso en el tiempo y mirada a la época adolescente de ésta, el de los primeros años de la década de los 60 que fueron además el del inicio de cambios sociales, sobre todo respecto al nuevo rol de la mujer. Por decirlo de otra manera, momentos que influyeron en la propia Lynn Barber, representada en Jenny (la vivaz e inteligente adolescente de 16 años, y con sensibilidad artística representada por su afición a tocar el violonchelo, que encarna Mulligan), en la Inglaterra de posguerra y antes de la eclosión del fenómeno Beatles. Un país que aún seguía sumergida en una situación económica austera (Estados Unidos había sido la nación que había salido reforzada de la victoria en la II Guerra Mundial, tomando la hegemonía mundial), con enormes prejuicios sociales (se hace una referencia a aquellos ancianos blancos que temen convivir con vecinos negros cerca) y las funciones de la mujer relegadas a los tradicionales de la casa , familia e hijos.


La película se abre con unos planos de que resumen el tipo de educación que recibían las muchachas en la época: aprender a caminar erguidas, dignas y con porte (sosteniendo un libro en la cabeza), bailando (en una actividad social y lúdica que bien les puede valer el conseguir a un buen pretendiente) y la cocina (imprescindible para las consiguientes tareas del hogar y para satisfacer a sus futuros esposos). Poco después, y cómo corresponde a una muchachas de su edad, las veremos también jugando al hula-hop o dibujando corazones y formas en los ventanales. Indicándonos que son aún niñas transitando hacia la edad adulta.

Y me he detenido en señalar estas cuestiones y contexto porque la película de Scherfig poco más ofrece de interés. Su argumento no ofrece mayores complicaciones, ni la historia tantos vericuetos y subtramas apasionantes más allá de su esquema de chica adolescente conoce a hombre más maduro y se deja seducir por él.

La “educción” a la que hace referencia directa el título refleja perfectamente el dilema de Jenny, con dieciséis años y estudiando en una academia para señoritas, sobre la cuestión fundamental del argumento: la clase de educación que deberá elegir la protagonista con vistas a su futuro. Esto es, seguir con sus planes de llegar a estudiar en la prestigiosa Universidad de Oxford e intentar labrarse un futuro más sólido y emancipado; o bien dejarse conquistar por los encantos de lo inmediato, y de lo que dictan los hormonas juveniles, al enamorarse de un hombre mayor y dejarse llevar por un ambiente de restaurantes, conciertos y viajes, y que es lo más fácil y atractivo, pero renunciando a esa mejor posible educación en Oxford que tanto la podría beneficiar como persona. La enseñanza cultural se fusiona con la propiamente sentimental, y tanto la escuela de la vida como la de los colegios y universidades adquieren un mismo nivel de importancia.


Naturalmente su comprensivo, atento y dulce galán, David (notable Peter Sarsgaard, siempre con una sonrisa amable e inocente en la boca), parece la encarnación ideal del príncipe azul soñado por cualquier chica de su edad, o para una joven que prefiere el francés (¡sin que nadie me malinterprete!) al latín y que tiene completamente idealizada la cultura francesa y la ciudad de París. Pero, como cualquier espectador también intuirá, tanta perfección debe de esconder algún secreto, más allá del hecho que David y su compañero de correrías sean unos pillos que se ganan la vida especulando y medio estafando con obras de arte.

Como secundarios de lujo están Emma Thompson, la rígida directora de la academia (con bastantes prejuicios contra los judíos e inflexible a conceder “segundas oportunidades”); Olivia Williams, la profesora buena y comprensiva; Rosamund Pike, la poco culta amante del compañero de David (muy curiosa, siempre con una mirada entre anonadada y escéptica); o Alfred Molina, el padre de Jenny, y un hombre de la “vieja escuela”, de los que piensan que cuando más estudios tenga una mujer más valioso podrá ser el varón a cazar para un buen matrimonio.

Destacan algunos buenos diálogos, el carisma de sus intérpretes y el colorido y sofisticación que le pone Scherfig a las imágenes (más propias de unos idealizados Estados Unidos de los 50 que de un lluvioso y brumoso Londres de los 60), aunque algunas secuencias (las de París o las del hipódromo, no estén filmadas con la misma pulcritud (tal vez recordando su época “dogmática” con Von Trier). Y el tedio, ante una historia que tampoco es que ofrezca mucho, no llega al menos a apoderarse demasiado de esta adaptación, correcta en conjunto, e intensa por la interpretación de Carey Mulligan, impresionante ya en una de las primeras secuencias, en la que Jenny y David se conocen, en la calle y bajo la lluvia.








.

Y el César honorífico para Harrison Ford

Para ver la lista completa de nominados y ganadores en esta edición 2010, aquí está el sitio oficial de los Premios César.




.

Carles Rull: "Se queda a un paso de la tremenda, apabullante obra maestra que Un profeta podría haber sido, aunque no por ello deja de ser una muy buena película, magistral por momentos." Leer extra crítica completa

Jon Ruiz: "Efectivamente, una de las mejores producciones del año" Leer crítica completa

Un profeta gana 9 premios César de la Academia de cine francesa. Ver noticia

.

Mucho se ha divulgado, desde su presentación mundial en el pasado Festival de Cannes, la cierta semejanza de Un profeta (Un prophète), de Jacques Audiard, con esa obra maestra de Coppola que es El Padrino. Evidentemente, de alguna manera hay que vender un producto, aunque sea una película con pretensiones más artísticas que comerciales, y posicionarlo para buscar atraer a su público.

Pero las similitudes no van más allá de esa coincidencia temática sobre las mafias y la creación de un nuevo capo todopoderoso, incluyendo una relación (muy distinta al film de Coppola) de aprendizaje y transmisión (involuntaria) de conocimientos entre un viejo zorro (léase líder mafioso) y alumno llamado a sucederle (más o menos) en el trono, a tomar su trozo de pastel del mundo de la delincuencia y los negocios sucios. Y es que la película de Audiard no sólo es totalmente distinta en esta relación entre padre e hijo, (metafórica aquí, más cercana al de amo y siervo, y que se ampliará también a la de un “hermano”, compañero fiel, ampliando en este particular concepto de familia), sino que sus inquietudes y estilo se mueven por derroteros muy distintos.

Audiard toma sus dos principales referencias del género de mafias y del thriller carcelario, por un lado las del cine europeo (y más concretamente el francés, sobre todo con los clásicos de Bresson) con una voluntad y puesta en escena más cercana a lo intimista, sobrio y con tendencia al documental, o mostrando los hechos con frialdad y distanciamiento (caso de Gomorra, del italiano Matteo Garrone); y por otro lado los códigos del cine norteamericano de las últimas décadas, el de Coppola o De Palma, sustentados en el sentido más llamativo y brillante de la narrativa, de la concepción tradicional del cine-espectáculo hollywoodiense pero aplicado a su vertiente más arriesgada y artística. Audiard tiene en mente los dos (no en cambio la furia y virtuosismo, el sentido de lo visual y extremo del cine asiático), pero no para tomarlos como modelos para copiarlos o seguir sino para fundirlos en uno solo o, mejor dicho, reinventarlos. La vocación de autor de Audiard requiere, cómo es necesario en cualquier artista que se precie, crear o al menos intentar crear algo nuevo.


Y no le sale redonda la genialidad por los pelos. Se queda a un paso de la tremenda, apabullante obra maestra que Un profeta podría haber sido, aunque no por ello deja de ser una muy buena película, magistral por momentos. Y entendiendo por magistral que da lecciones de auténtico cine, de puesta en escena, planificación, montaje y tratamiento de personajes y guión. Audiard logra además el haber sabido mezclar estupendamente el drama íntimo de su protagonista, Malik El Djebena (Tahar Rahim, en una grandísima interpretación), con ese periplo exterior que implica a más personajes y a la función que finalmente desempeñará Djebena en la sociedad.

El realismo de las secuencias en la cárcel donde está encerrado o en la calle cuando obtenga permisos de salida diarios (la vida real) no impide insertar excelentes escenas de cariz onírico y surrealista (spoilers) con la presencia del fantasma del primer hombre asesinado por Malik, o spoiler la nocturna de unos ciervos en medio de la carretera, que posteriormente le sacarán de un buen apuro ante un peligroso gangster (fin spoilers), captando las complejidades de Malik (su mundo interior), su conciencia y el hecho de que esté de alguna manera predestinado (llamado) a cumplir con su destino.

Malik Djebena es un joven árabe de 19 años, sin familia ni más arraigos, que deberá pasar 6 en prisión por un delito que no conoceremos, pero que tampoco es relevante porque lo esencial es que su destino era acabar entre muros. El desamparado e introvertido Malik era (es) carne de presidio. Alguien que no sólo no importa a nadie sino que además es analfabeto. Tiene todas las de perder y poco puede durar un tipo como él en un lugar como la cárcel. No tardará en entrar en la escena de su vida los integrantes de una mafia corsa, la que controla el cotarro, intimida a los otros presos o se ha ganado el favor de los guardias corruptos. Dos grupos minoritarios, corsos y árabes, entre los que Malik deberá moverse, sin ser plenamente aceptado por ninguno de ellos, y en un periplo que poco a poco le hará darse cuenta de que él es realmente un elegido, un visionario, el profeta a que hace referencia el título, con sus reminiscencias espirituales o religiosas a Mahoma, profeta del Islam, remarcando que Malik El Djebena está “bendecido” por un don especial.


Hacía referencia antes a que la actuación de Tahar Rahim es enorme, transmitiendo tanto sus miedos y fantasmas interiores como su evolución y madurez en ese presidido que, dando al traste todos los manuales y objetivos de reinserción social, acabará convirtiéndose en su particular escuela graduándolo cum laude en maestro de los trapicheos y el crimen. Enseñanzas que aplicará enseguida que pueda en sus salidas al exterior del presidio. Su interpretación es sobria, pero también deja lugar para el subrayado (de Audiard) después de matar por segunda vez por medio de un primer plano de satisfacción de su rostro, porque ha conseguido vencer sus temores y nervios, en contraste con su tormento ante el encargo, obligado a vida o muerte, de tener que acabar con otro preso (en unas magníficas escenas) en la que será su primera víctima y el primer paso hacia un nuevo destino para el que ya no habrá marcha atrás.

Malik está retratado como un prototipo de hombre normal y corriente, un joven que no parecería que hubiera de destacar de entre los demás, casi bondadoso y angelical, procurando no recurrir a la violencia, y en contraste con la contundencia y brutalidad de las castas corsas e italianas (de las del Este no se hace referencia), y por supuesto muy alejado (como pretendía Audiard) de la imagen del mafioso psicópata y neurótico de, por ejemplo, un Tony Montana. Y si Tahar Rahim está perfecto su mentor, el actor Niels Arestrup, de nombre César y jefecillo del clan corso del lugar, brilla también a gran altura en su personaje secundario.

La lástima es que en este entresijo, todo lo que maquina o hace Malik fuera de la cárcel no está bien narrado. Resulta difícil saber o interesarse por lo que está urdiendo su protagonista, con acciones y sucesos que avanzan de golpe. Una descompensación entre las escenas del interior y las del exterior del presidio que es lo que, para mí, impide a Un profeta ser una incuestionable obra maestra. Pero, y volviendo a incidir en el tema de la necesidad de un buen final, la última escena (cómo ya señalaba mi compañero Jon cuando la vio en San Sebastián), sí que es una imagen memorable, certificando el status que ha logrado ya Malik El Djebena.





 

.

Al límite es el título que ha conocido en España Edge of Darkness (Al filo de la oscuridad), no sólo nada original sino olvidando que ya existe un filme de hace unos años con el mismo título, el que protagonizó Nicolas Cage a las órdenes de un inspirado Scorsese en la que fue una estupenda (y eso, poco recordada) película del año 2000. Pero dejando aparte esta cuestión puramente localista por la traducción dada aquí. Edge of Darkness es una miniserie británica de 6 episodios de la BBC que se emitió a mediados de los ochenta, y además Martin Campbell, el director de aquélla repite de nuevo tras las cámaras 25 años después con Al límite.

Una decisión que entreveía como acertada. Tal vez el eficaz Campbell (007 Casino Royale, La máscara del zorro…) no sea un genio pero sí un director bastante capaz y que merece la confianza de que seguramente no destrozará una película, y ¿quién mejor que el mismo hombre que acertó realizando una de las miniseries británicas más prestigiosas e influyentes para adaptarla a los nuevos tiempos?

La acción cambia ahora de una ciudad del norte de Inglaterra a Boston, según los responsables del filme, la población estadounidense con más paralelismos a la del ambiente original por sus raíces e influencias inglesas e irlandesas. Y el mismo protagonista, Thomas Craven, el detective del Departamento de Policía, ya retirado, que interpreta Mel Gibson (después de 8 años sin verlo ante las cámaras) es de ascendencia irlandesa.


Pero me ha ocurrido que, pese a ser una película de buena factura, o el tener a William Monahan (uno de los guionistas de Infiltrados), Al límite no ha conseguido engancharme prácticamente en ningún momento. A parte están los puntuales golpes de efecto, con algún disparo a bocajarro al inicio o un auto arrollando a uno de los personajes secundarios de manera inesperada más adelante. Golpes de efecto de esos que más que nada logran despertar, sobresaltar, a aquellos espectadores que puedan haberse dormido haciéndoles preguntar que diantres ha ocurrido.

Y es que el argumento, al igual que el ritmo o el aspecto visual del filme, se le nota que es más de corte británico, más flemático, correcto y pausado, que norteamericano. Nada en contra y peor, cabría suponer, que se hubiera realizado un convencional thriller a la americana, plagado de supuesta acción y tópicos del género yanquis. Pero esa trama de las vinculaciones de las altas esferas del poder políticas y públicas del poder con los oscuros intereses de las grandes corporaciones empresariales privadas, unido a ese pánico por los peligros de las energías nucleares, y que tantas protestas y temores causaron durante los setenta y ochenta, hoy en día parece un tema más superado, o al menos… más visto. Narrado mil y una veces en la gran pantalla.

SIN INTRIGA

Oficio no le falta a Al límite, el de Martin Campbell tras las cámaras o el trabajo de los actores, con Mel Gibson convertido en la estrella absoluta, un veterano policía y un padre dispuesto a llegar hasta donde sea para esclarecer el brutal asesinato de su hija. Un Gibson apoyado por secundarios tan notables como Ray Winstone o Danny Huston (en su enésimo rol de villano); en una película que, influencia seguramente también británica, sigue una senda cada vez más trágica y que tratada de otra manera hubiera logrado, sin duda, ese halo crepuscular de tristeza y dureza, también de simpatía hacia unos personajes que hacen lo que deben de hacer pese a todas las consecuencias. Pero la película adolece de falta de vigor y originalidad, con un argumento en el fondo demasiado masticado y simple, sin sorpresas relevantes, y unos diálogos supuestamente enigmáticos o comedidos pero que no animan para nada la función. Y, en definitiva, no hay nada peor que una intriga que no sea intrigante.

Emmerich ha desvelado a Empire que el rodaje de Anonymous comenzará este mes de marzo en Berlín, y con un reparto que incluye a Vanessa Redgrave como la reina Isabel I; David Thewlis encarnando al conde de Essex De Vere y Rhys Ifans a De Vere (el verdadero genio tras Shakespeare según el guión de Orloff).




.

Angelina Jolie parece que ha rechazado intervenir en la secuela de Wanted que preparaba Universal Pictures, de nuevo con Timur Bekmambetov como director, sea por motivos de demora en el inicio del rodaje o porque la actriz ya no estaría interesada en participar en esta segunda parte.

Y es que se dice que Jolie se ha decantado en cambio para protagonizar un proyecto que no sería precisamente demasiado comercial, pero sí de prestigio. Nada menos que ponerse a las órdenes del mexicano Alfonso Cuaron (director de Harry Potter y el prisionero de Azkaban, y títulos de de culto como Hijos de los Hombres o Y tú mamá también) en un curioso drama y thriller en formato de ciencia-ficción.

Se trataría de Gravity en la que Angelina Jolie sería prácticamente el único personaje, interpretando a la única superviviente de una misión espacial que intenta desesperadamente regresar a la Tierra. Sin duda, todo un reto interpetativo.

El guión lo ha escrito el propio Alfonso Cuarón junto a su hijo Jonás.




.

Ante el imprevisto de que Paramount no pueda contar con Kevin Greutert para dirigir Paranormal Activity 2 (por el contrato de Greutert que le vincula aún con Twisted Pictures y Lionsgate para rodar Saw VII, pese a la reticencia del mismo director), se ha preparado una lista de posibles candidatos para realizar la secuela del filme de Oren Peli.

Y éstos, según LA Times son el australiano Greg McLean (El territorio de la bestia, Wolf Creek),  Brad Anderson (El maquinista, Transsiberian), el guionista Akiva Goldsman (Batman y Robin, Una mente maravillosa y El Código Da Vinci) y Brian De Palma (Redacted, Los intocables, El precio del poder, Carrie...).

Paramount se lanza a por todas para explotar el filón Paranormal Activity, y que Oren Peli hizo con un presupuesto de tan sólo 11.000 dólares.




.

( Publicado originalmente el 26 de septiembe, en su proyección en el Festival de San Sebastián )

Perlas Zabaltegi

Una de las mejores producciones del año. Así fue presentada la película 'Un prophète' (Gran Premio del Jurado en el último festival de Cannes) instantes antes de su presentación en el Zinemaldi, con la presencia de su director Jacques Audiard. Qué exageración, qué pelota, pensé yo al oír eso. Dos horas y treintaycinco minutos más tarde estaba completamente de acuerdo.

Un joven de unos diecinueve años (Tahar Rahim, una gran revelación) ingresa en la cárcel para pasar en ella los próximos seis años. Allí se encuentra con gente muy amenazante a quien no le gusta que el chico vaya por libre, siempre tiene que haber un líder y deberá obedecer sus órdenes. Este es, más o menos, el inicio de la película.

La película puede parecer al principio un típico drama carcelario, con todos los tópicos que en este subgénero cinematográfico se pueden ver siempre: el capo dentro de la cárcel, sus rivales, las palizas para mantener el liderato, y alguien inocente en medio de todo el jaleo. Pues no, 'Un prophéte' va más allá, mucho más allá. Según van pasando los minutos la película puede etiquetarse perfectamente como cine negro. ¿Por qué? Porque se ve la evolución del joven protagonista, su adaptación a la cárcel, su relación con su protector y todos los negocios que éste tiene, tanto dentro como fuera de la cárcel ya que sus gestiones abarcan más que los muros carcelarios.

Jacques Audiard compone, junto con Thomas Bidegain, un guión quizá demasiado largo pero no por ello aburrido, al mantener al espectador con la intriga de saber cómo se las arreglarán con todos los asuntos que tienen entre manos. Respecto a cómo está dirigida, es sin duda de forma perfectamente calculada. Nada de movimientos bruscos de cámara, como haría mucho director hoy en día. Cuando hay, por ejemplo, palizas o momentos duros o de violencia, la cámara se mueve lo justo, sin mareos de ningún tipo y muy realistas, lo cual se agradece y hace comprender porqué Audiard es considerado un grande en su país de origen, a pesar de tener únicamente cuatro películas más en su haber.

No sé exactamente porqué, pero en muchas ocasiones me acordé de, para mi gusto, una de las películas fallidas de la temporada pasada: 'Gomorra'. Quizá sea por el aire realista de todas sus escenas, ya que las escenas de la película de Matteo Garrone también tenían ese aire.

Aparte de su duración, otra pega que le puedo ver al guión es que uno se puede hacer un cierto lío con los clanes o bandas de las que se hablan y con quienes tienen negocios o rivalidades los protagonistas. Pero por lo demás, es una gran película que engancha hasta el final, donde precisamente hay un plano tremendo totalmente digno de 'Los Soprano' o nada más y nada menos que de 'El padrino'.

Efectivamente, una de las mejores producciones del año.





.

Peter Jackson vive de momento instalado en su limbo propio, el del director-estrella, desde el exitazo descomunal de la adaptación de El señor de los anillos. Un sueño, con lluvia de Oscar incluidos, del que hubiera despertado si la horrenda King Kong que perpetró hace unos años no hubiera sido bendecida también con algún Oscar técnico y un éxito en taquilla, lejos de lo esperado , aunque notable; pero del que seguramente The Lovely Bones, adaptando en esta ocasión una dura novela de Alice Sebold (traducida aquí como Desde mi cielo), sí que le hará bajar más puntos vista su negativa recepción crítica casi generalizada.

Aún así, The Lovely Bones sigue reafirmándole como un director con aquello que se coincide en denominar con estilo y universo propio. Un regreso, aunque con más presupuesto y un reparto de lo más atractivo, a temáticas y maneras que ya desarrolló en gran parte en una de sus mejores obras, Criaturas celestiales (1994). Comparte con el drama que coprotagonizó Kate Winslet un regusto a thriller y a crónica negra (allí inspirado en el caso real de dos inseparables amigas adolescentes que asesinaron a la madre de una de ellas), entrelazado con un fuerte componente fantástico (el mundo de fantasía que se inventaban las dos protagonistas para vivir su libertad).

Y aquí con la historia (ficticia), de una muchacha de 14 años, Susie Salmon (Saoirse Ronan), que ve su inocencia interrumpida salvajemente cuando un psicópata asesino en serie, y vecino de ella (Stanley Tucci), la viola (algo que el filme, al contrario que la novela de Sebold, no deja claro) y asesina. Pero el traumatizado fantasma de Susie quedará atrapado en otro limbo, el de las puertas del cielo. Un “mundo” hecho a su medida porque es ella quien lo va ideando y controlando en cierta manera, y negándose a abandonar el contacto con los vivos, sobre todo cuando sepa que su asesino se dispone a volver a matar. Mientras, sus padres caen en la desesperación, obsesión y depresión, y las investigaciones de la policía se revelan inútiles para resolver el caso o tan siquiera hallar el cuerpo de la pequeña.


Que The Lovely Bones está muy lejos de ser una película perfecta, o a pesar de los varapalos que reciba el neozelandés, no quita que contenga momentos de buen, muy buen cine. Peter Jackson continúe siendo un cineasta a tener muy en cuenta. Pero el balance de errores, o tratamientos equivocados, acaba por desequilibrar definitivamente una propuesta que empieza de maravilla y que sólo recupera la brillantez de manera intermitente.

Una lista de desaciertos que pueden resumirse ya desde las interpretaciones, en su mayoría, carentes de fuerza empezando por un Mark Wahlberg, desubicado y apagado en uno de los roles de peso, el del padre de la joven protagonista y una de las principales conexiones de Susie desde el Más Allá; prosiguiendo con una Rachel Weisz, la madre, que poco o nada puede hacer por un personaje breve que la relega a poner su rostro y presencia al servicio de trillados tópicos; o una Susan Sarandon, divertida (que parece puesta para poner las únicas notas de humor al filme, por eso de aliviar tensiones y seriedad en mitad del metraje), pero tan sólo una caricatura de su personaje, la suegra. Mientras que Stanley Tucci sabe que hacer de psicópata siempre es agradecido y no desaprovecha su papel de ogro; la propia Saoirse Ronan o Rose McIver, la hermana menor de Susie, resultan de lo más memorable en cuanto a interpretaciones.

Las secuencias en el particular cielo de Susie revelan los principales defectos. Un exceso de cursilería en unos instantes que deberían ser poéticos o conmovedores, agravado por la artificiosidad que desprenden sus imágenes y efectos visuales. Esa interacción de Susie en su limbo e intentando interactuar con sus seres queridos en la Tierra debería haber sido el plato fuerte de la función, pero son en realidad el manjar que estropea gran parte del tratamiento de The Lovely Bones. Y para colmo, los diez minutos finales, totalmente fallidos, entre el anticlimax y lo ridículo de algunos desenlaces, no ayudan nada a mejorar la sensación final. Aspectos que como Peter Jackson no corrija en esa adaptación de las aventuras de Tintín, que prepara con Spielberg, me temo que va a perder a los pocos defensores que pueda tener. Pero, de momento, aún se permite autoreferenciar, en el escaparate de la librería de un centro comercial exhibiendo un enorme póster sobre la obra de Tolkien o con un hitchcockiano cameo, mientras prueba una cámara de video.

GENIO IRREGULAR

Puede que haya tratado la más reciente película de Peter Jackson con dureza, pero The Lovely Bones también contiene los trazos del gran cineasta que, a veces, es empezando por la decisión, artística y visual, de tratar las imágenes con un colorido muy vivo (azules, rojos, naranjas…), en consonancia con ese punto de vista de la joven Susie. Colores juveniles y llenos de vida, también dando un aspecto idílico o de juguete a sus escenas, pero que chocan también con su trasfondo de thriller y la dureza del caso de Susie al no haber dado Jackson con esa adecuada unión entre melodrama, intriga y fantasía. O una primera media hora espléndida, de presentación de personajes o avanzando la tragedia que vivirá Susie por medio del paralelismo de un muñeco de nieve, solitario pero feliz en su caparazón de cristal, junto a escenas buenísimas (Spoilers) la recreación del zulo para atrapar a niñas que ha ideado Harvey; Susie pasando, corriendo y de noche, al lado de una chica con ciertos poderes extrasensoriales, y poco después visitando distintos lugares conocidos, o desconocidos como a su asesino en la bañera para limpiarse la sangre, descubriendo esa realidad de que ella ha sido asesinada; la rabia del padre (Wahlberg) rompiendo las botellas de cristal que contienen los barquitos, su hobby, con el siniestro montaje en paralelo de Susie escenificando el momento en su limbo; o la tensión en una de las escenas más efectivas, la de la hermana descubriendo el diario del asesino donde escribe y dibuja los preparativos para sus próximas fechorías (fin spoilers).

En fin, el póster en castellano, sin duda el que más me gusta, el de Pegaso.


Gracias a E.S.A.



.

Habrá Zoolander 2, o al menos así lo está pensando Ben Stiller que ya esta escribiendo el guión junto a Justin Theroux (uno de los guionistas de Tropic Thunder), y que además podría ser también el director.

Y ha pedido a Jonah Hill (Lío embarazoso) que interprete en esta ocasión al malvado de la historia. Una parodia que de nuevo estará ambientada en el mundo de la moda y de las intrigas internacionales. Hill y Stiller ya trabajaron juntos en Noche en el museo 2. Otro de los que podrían repetir sería Owen Wilson, gran amigo de Stiller.

Zoolander se estrenó en 2001, y no se puede decir que fuera precisamente un gran éxito de público por entonces con algo más de 68 millones de dólares recaudados en los cines, pero su presupuesto fue más bien bajo, de unos 28 millones. Sin embargo, el personaje de Derek Zoolander se ha convertido en uno de los más logrados de los que ha interpretado el cómico norteamericano.



Fuente: Deadline Hollywood







.

French Coast (Francia), Granny O' Grimm's Sleeping Beauty (Irlanda), Logorama (EE.UU.), Wallace & Gromit: A matter of loaf and dead (Gran Bretaña) y La dama y la muerte (España) son los cinco cortometrajes seleccionados por la Academia de Hollywood para competir por el Oscar al mejor cortometraje de animación en esta edición.

En Sensacine.com han recopilado los cinco candidatos. Puedes verlos aquí


Y también;

 Entrevista a Mel Gibson, que estrena el thriller Al límite







 Y además, en Sensacine.com han elaborado un personal top ten de las películas de Martin Scorsese










.

Las salas de la cadena de cines UGC Ciné Cité te hace más fácil ir al cine. Puedes imprimir tus cupones descuento, tantos como quieras, para que la entrada te salga a 4,90 euros en cualquiera de las salas y en cualquier día, excepto en las proyecciones especiales, en 3D y en las que UGC pueda excluir durante la vigencia de la promoción.

La promoción empieza el lunes 1 de marzo y terminará el jueves 18. Los cupones se pueden conseguir Aquí

Luego deberán imprimirse y canjearse en la taquilla por la entrada.

Y además, puedes invitar a tus amigos a que se impriman el cupón descuento con el que podrán ir a cualquier cine UGC Ciné Cité por solo 4,90 euros y con palomitas por solo 1,50 euros.

Los 10 fans que más amigos inviten podrán conseguir, los 5 primeros una tarjeta UGC7 más 1 tarjeta UGC COMBOX5, los 5 restantes 2 invitaciones que podrán utilizar cuando quieran en cualquier cine UGC Ciné Cité. Tienes hasta el 18 de Marzo para participar en esta la promoción.

Para esta promoción puedes seguir este enlace en Facebook

Y si quieres conseguir una de las 5 invitaciones que tenemos para cualquiera de los cines de UGC Ciné Cité envianos un email a nuestro correo de Cinempatía:

cinempatia@gmail.com


Para consultar las salas, poblaciones, películas y horarios esta es la Web oficial de UGC Ciné Cité.



.