Enésimo retrato de una adolescente quinceañera rebelde y perdida buscando su destino, la británica ‘Fish Tank’, título que podría traducirse al español como “pecera”, tiene al menos lo que debe tener, una historia sustentada en una buenas interpretaciones.

Cine independiente que sería fácil a priori relacionar con el de Ken Loach durante los 80, pero no hay en la película dirigida y escrita por Andrea Arnold ese trasfondo social de marcada carga de crítica política. Su joven protagonista, Mia (Katie Jarvis), simplemente es una muchacha que esta creciendo en una de las zonas suburbiales londinenses (la película se rodó en Essex, al este de Londres) y en lo que se llama un entorno familiar desestructuralizado, junto a su hermana pequeña y su madre (Kierston Wareing), alguien que sólo piensa en ella misma, en sus fiestas, en el alcohol, en hombres, y a la que el cuidado de sus dos hijas se revela como una carga para la que no estaba en absoluto preparada. Y en cuanto a la conflictiva Mia, a los pocos minutos ya ha insultado al padre de una de sus amigas y le ha dado un cabezazo en la cara a otra chica, dejando claro el turbulento itinerario personal por el que se mueve.

La pecera en la que vive Mia, el barrio, su familia, empezará a abrir sus resquicios al exterior y al descubrimiento del amor y el sexo con la entrada de un cuarto personaje, el nuevo amante de su madre, Connor (Michael Fassbender), por el que se sentirá enseguida irremisiblemente atraída y a la vez celosa de su madre. Un hombre que parece ideal y que puede aportar la presencia masculina que parece hacerles tanta falta a las tres mujeres, sobre todo en cuanto a cariño, compañía y comprensión.


‘Fish Tank’ posee más de una similitud con ‘An Education’, pues la misma Mia es una joven que también deberá decidir sobre su destino, si se va a estudiar a una escuela especial para alumnos conflictivos (cómo sería el deseo de su madre) o elige agarrarse a una pareja y seguir su vida por otro camino; a parte de algún hecho “sorpresa” más; ambas están ambientadas en Inglaterra (aunque en distintas épocas); y sobre todo por tener a una excelente, extraordinaria joven actriz, en este caso la debutante Katie Jarvis, como protagonista prácticamente absoluta.

En el apartado de las interpretaciones está la siempre efectiva presencia de Michael Fassbender y la maravillosa Kierston Wareing (aquí de rubia), otro punto de contacto con el cine de Loach, pues ella fue la inolvidable protagonista de ‘En un mundo libre’, de 2007.

La dirección de Andrea Arnold es naturalista, sin artificios en su deambular siguiendo a Mia, para quien su pasión por la música parece ser la única terapia a su ira (spoiler) que la conducirá a una segunda decepción en su particular proceso de madurez (fin spoiler); y destacando las escenas más intimistas, e íntimas, entre Mia y su ocasional “padrasto” (llevándola en brazos a la cama y desvistiéndola en parte, curándole la herida en un pie, o contemplando el baile que ha preparado ella con su canción preferida, ‘California Dreaming’), filmadas en planos más cortos, también con una luminosidad más oscura y cálida; y en contraste con su distante, también vulnerable, madre que no recibe primeros planos, sólo medios y generales.






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A pesar de lo que pueda sugerir tan repelente título, "En el límite del amor" no es un mero pasatiempo idiota de domingo por la tarde. Bueno, algo sí, pero no del todo.

Y menos mal, porque a priori la cosa apestaba a producto rutinario, acartonado y de sorpresa cero, y la verdad es que, por lo menos en su primera parte, este enésimo drama "de época" de Keira Knightley se deja ver. Que ya es.

Y no, el punto de partida no es nada del otro jueves, ni el desarrollo argumental es una maravilla, ni su parte formal es el no-va-más. Pero el oficio con que se lleva todo es de agradecer, y la sensibilidad que toca algunos momentos a la película es digna de mención. Pero ojo, que no todo en el monte es orégano.

"En el límite del amor" nos traslada al Londres de 1940, a punto de caramelo los bombarderos alemanes y el pánico bélico ciudadano. En ese contexto, Vera Phillips (Keira Knightley) se saca unos peniques como cantante de cabaret en los pasillos de los metros [sic] cuando se reencuentra con un antiguo "amigo especial", Dylan Thomas himself (Matthew Rhys), que ha regreasdo a la ciudad con una esposa colgada del brazo (Caitlin, con el rostro de Sienna Miller) y la voluntad de comerse el mundo literario con sus poemas. Contra todo pronóstico, Caitlin y Vera se hacen "mejores amigas" y se establece un triángulo amoroso que se ve complicado con la entrada en escena de William (Cillian Murphy), soldado que termina casándose con Vera.

Pero, natural, los sentimientos de Vera son poderosos y su amor hacia Thomas no hace más que crecer... y complicar la vida un poco a todas las pobres marionetas que corretean por complejo teatrillo del amor.

La trama es un puro culebrón, sí. Pero mientras el director John Maybury y su guionista Sharman Macdonald consiguen encauzarlo por unos terrenos más o menos contenidos, resulta un culebrón bien llevado, para qué engañarnos. Aunque es cierto que la película no resulta todo lo provechosa que podríamos llegar a creer en un principio, sí hay una cierta voluntad de hacer las cosas bien, de modo elegante y con una inquietud por ir un poquito "más allá". Se agradece, sí.


BBC Films, los tipos que están tras "En el límite del amor", parecen empeñados en ser considerados el organismo de preservación de la cultura británica por excelencia, con lo que se aseguran de que todos sus productos de corte más o menos histórico mantengan un cierto nivel de calidad en sus reconstrucciones. Y si de paso se puede ensalzar con orgullo unos ciertos iconos nacionales (caso de Dylan Thomas), pues eso que se llevan.

Así que sí, la reconstrucción es primorosa, y la ambientación, además de conseguida, resulta agradable a la vista. Hay que agradecer a Maybury una planificación con una voluntad esteticista y una fotografía preciosista. Pero "En el límite del amor" es una película que en más de un aspecto, pues eso, camina en el límite. Y en este sentido lo paga el espectador teniendo que sufrir precisamente eso: esteticismo y preciosismo, en muchos casos exagerado. Maybury no siempre puede contenerse y la postalita de turno no siempre funciona y hace acto de presencia la horteradilla con síndrome "Sky Captain", otras los trucajes de cámara resultan burdos por manieristas, e incluso en algunos momentos al director se le va la mano con el pantone y convierte el plano en un lienzo warholiano: atención al primer plano de la Knightley en azul con los labios de rojo chillón. Muy pop.

Y no es este el único ejemplo de cómo la película mira cara a cara al desastre y no siempre sale victoriosa del envite. Y es que, así como el tono general pretende moverse en las coordenadas de un clasicismo sin poder evitar caer a menudo en lo ortopédico, también aspira a bucear en el romanticismo y más de una vez está a esto de ahogarse en lo relamido.

Porque, que nadie se engañe, esto no es un biopic. Por mucha presencia de Dylan Thomas, lo que en un principio parece un drama biográfico sobre el proceso creativo y su relación con el afecto femenino, al final termina derivando en un triángulo amoroso (cuadrado, más bien) donde la figura histórica del poeta queda reducida a un actor más. Curioso, no pretende resultar un documento histórico para iniciados ni primerizos de la poesía británica, pero no renuncia a una marcada vocación literaria (como hacía con Keats "Bright Star", aquí se utilizan algunos textos del poeta narrados en off para dar un cierto caché al libreto).

Pero lástima, no logra profundizar en esos temas relacionados con el proceso artístico, con la influencia de la musa y con la relación del artista y su entorno afectivo y social: atención, estamos hablando de una II Guerra Mundial en plena ebullición.

Y del mismo modo que quedan en un bosquejo los temas que va apuntando a lo largo del metraje, sembrando semillas pero sin recoger sus frutos. Ahí están ítems tan universales como la culpa, el remordimiento, los celos hacia un pasado lejano o hacia una realidad que no necesariamente tuvo por qué existir, la locura pasional o la redención por el amor. Nada de ello se desarrolla lo suficiente para trascender la categoría de "apunte".


Un alto para recapitular, porque aquí se viene un pequeño giro en la historia: hasta algo más de la mitad de la película, nos encontramos ante un producto rodado con oficio, que aunque no puede evitar caer en algunos excesos, consigue captar nuestro interés sin hipotecar el sentido de la credibilidad ni venderse a trucos sentimentaloides baratos.

Bien, pero es que la película termina dando un pequeño giro (que en el fondo tampoco es tal), para terminar abriéndose sin prejuicios al despiporre culebronesco con el retorno postbélico de un William consumido por los celos y con los horrores de la guerra marcados a fuego en la retina. Ahí es cuando el melodrama desgarrado (ejem, ejem) entra en acción y la cosa empieza a bajar enteros. Por el desagüe se van toda la ocasional contención, la clase y delicadeza con la que se mostraban algunos elementos y la extraña seducción que podía ejercer el trinomio Vera-Thomas-Caitlin. Lo que parecía sobriedad y precaución se convierte ahora en seriedad forzada, y lo que podía ser un drama romántico interesante pasa a ser una histriónica y convencional historia de relaciones humanas trágicas.

No es un desastre de película, cuidado. E incluso puede engañar: su envoltorio es perfecto, con unas interpretaciones francamente buenas, ajustadas a los personajes (Knightley y Murphy se mueven como pez en el agua en este tipo de papel), y la música de Angelo Badalamenti (!), en ocasiones en la línea de “Una historia verdadera”, termina dando lustre al conjunto. Pero es que al final, de tan perfecta termina siendo profiláctica, casi estéril.

Y cómo no serlo: un texto de aspiraciones románticas, unos diálogos de aspiraciones literarias y una realización de aspiraciones pictóricas. ¿A nadie más le chirría todo esto?

Por John "Bluto" Blutarsky: La casa de los horrores








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El estreno más esperado del mes de abril ya está aquí. La secuela de ese éxito sorpresa que fue la primera de 'Iron Man' en 2008 y que dejó un buen sabor de boca (a la mayoría).

Ahora vuelve con más personajes, más entramados argumentales, más efectos visuales y... ¿será también mejor? De nuevo dirigida por Jon Favreau, y con Robert Downey jr., Mickey Rourke, Sam Rockwell, Scarlett Johansson y Gwyneth Paltrow, vamos con un extracto de lo que han dicho algunas críticas:


Desirée de Fez ( Fotogramas ): "acusa un exceso explicativo (demasiada información, muchos diálogos a los que, por otro lado, habría venido bien un humor más depurado) y una dispersión que truncan el ritmo del conjunto. Pero la cinta de Favreau, también director de Iron Man y la magnífica película infantil de ciencia-ficción Zathura: Una aventura espacial (2005), sube en las secuencias de acción." ( Crítica completa )

Javier Ocaña ( El País ): "Transcurrido el tiempo de presentación del superhéroe como superestrella, al modo de los mejores tiempos de los Watchmen de Alan Moore, la película se viene abajo. Llegada la batalla contra el mal, todo es obvio, reiterativo, tedioso y mil veces visto." ( Crítica completa )

Quim Casas ( El Periódico ): "... cuando el filme conjuga el puro entretenimiento, los resultados son más que notables: la pelea entre los dos hombres de hierro en el laboratorio o la secuencia en la carrera automovilística de Montecarlo, donde la acción se aúna con la apología de la destrucción, mantienen con vida una película cortocircuitada y abonada al exceso y, también, a la autoparodia"( Crítica completa )

Roberto Piorno ( La Guía del Ocio ): "Y entre desajuste y desajuste Favreau cae en la tentación de colar personajes florero con colador, guiños descontextualizados a los fans y trailers promocionales de películas futuras (ortopédica y forzadísima la presencia de Nick Furia y la Viuda Negra haciendo bulto). Es decir, que la contención es relativa, que Favreau se deja ir hacia la orilla de las secuelas sobreabundantes y que, al final, el loable equilibrio y la no desdeñable discreción narrativa del primer episodio se han ido aquí literalmente al carajo." ( Crítica completa )






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MISFITS: Lo que Héroes no se atrevió a contar.

Podéis ver el trailer de la serie y los capítulos subtitulados juto aquí.


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¿Por qué tiene ese aura de cutrez interestelar?

Ojo a la frikada:

Siguiendo con la promoción de 'Iron Man 2', que se estrena este viernes día  30, Marvel ha ideado un pequeño videojuego que se puede disfrutar completamente gratis y online. Para ello sólo hay que acceder a la página correspondiente e instalar un simple plugin.

Para accede al juego, clicar aquí


"De este modo: "El jugador se convierte en Whiplash, el enemigo de Tony Stark, el cual
irrumpirá en la carrera disputada en Mónaco, desatando el caos. Deberá
destrozar a todos los coches que se encuentre por el camino usando sus
brazos, convertidos en látigos eléctricos.

El mayor objetivo es aniquilar el coche de Tony Stark. A medida que pasa
el tiempo, se incrementa la velocidad de los coches, consiguiendo así que
sea mucho más difícil ganar puntos."

Y un breve vídeo de demostración.

El pasado viernes se estrenó la comedia española 'Que se mueran los feos'... a propósito de ello, ¿Cuál sería tu lista de actores y actrices más feos? ¿Tal vez Benito Pocino, Danny Trejo, Enrique San Francisco, Carmen Machi, Michael Moore?... En Sensacine.com han elaborado su propia lista de los 25 actores más feos.

Puedes ver el dossier completo aquí.





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Espero tragarme mis palabras, pero la película pinta a fiasco taquillero y creativo.

Fuente: Worstpreviews.

‘The Human Centipede (The First Sequence)’, del director holandés Tom Six, se ha paseado por diversos festivales de cine de género, como Austin, el Screamfest de Los Angeles o en el Festival de Sitges (fuera de la competición fantástica oficial, que es donde tuve ocasión de verla el pasado año.

En el circuito de salas comerciales no me consta que se haya estrenado en ningún país. En Estados Unidos lo hará en un limitado número de cines a partir del 30 de abril. Pero su notable acogida, y premios, entre el público de los certámenes donde se ha proyectado o la crítica especializada ha hecho que Six se haya animado a proseguir con la que podría ser su particular trilogía, con ‘The Human Centipede II (Full Sequence)’.

Es el primero de sus largometrajes con cierta repercusión internacional, y el primero donde hace de guionista, productor y también director. Si tenemos en cuenta que a Tom Six le va la marcha, tratar temas que puedan suscitar debate y polémica, y que entre sus películas preferidas están ‘Saló o los 120 días de Sodoma’, de Passolini, o ‘La gran comilona’, de Ferreri, echando un vistazo a la sinopsis argumental es fácil imaginarnos que estamos ante una de las propuestas más pervertidas y repulsivas del género fantástico actual. Lleva merecidamente adherida la etiqueta de película “desagradable”, aunque no tanto por lo expícito de sus imágenes sino por su premisa.


Cuando su coche se avería en carretera secundarias alemanas, y buscando un teléfono donde pedir ayuda, dos jóvenes turistas norteamericanas, lindsay (Ashley C. Williams) y Jenny (Ashlynn Yenny), caen en manos de un mad doctor, el Dr. Heiter (Dieter Laser) cuando. Éste vive en una aislada casa de campo. Un cirujano eminente y solitario que pretende culminar su obra maestra, crear una particular mascota: un ciempiés humano. Lo que significa proveerse de seres humanos jóvenes y que considere que puedan gozar de una férrea salud para, mediante una precisa intervención quirúrgica, unirlos unos a otros, con el ano del primero de ellos conectados al ano del siguiente (¡), y así sucesivamente.

Su “First sequence” se compone de 3 individuos, las dos muchachas norteamericanas y otro joven japonés, también prisionero en el sótano de la mansión que el Dr. Heiter ha reconvertido en su particular hospital.

El guión urdido por Six va en todo momento directo al grano, desde la presentación de los personajes hasta el desenlace final, pasando por la inclusión de una pareja de policías para dar lugar a alguna escena más de intriga y tensión respecto a la fortuna que puedan correr sus personajes (y dicho sea de paso, una tensión a veces forzada, cogida por los pelos). Entre las dos chicas protagonistas, evidentemente, una será la fuerte y la otra la más débil. Pero el guión da con una precisión y efectividad digna también de un cirujano. Las interpretaciones no es que sean especialmente buenas, pero tampoco son pésimas, de aquellas capaces de sacarte de una película. Es más, incluso se agradece ese toque, no amateur, pero sí menos pulido y calculado. Y Dieter Laser, de figura alta y delgada y rostro adecuadamente siniestro, a pesar de no ser ningún gran actor es todo un hallazgo.


‘The Human Centipede’ no es cine de serie Z en cuanto a puesta en escena e interpretaciones, sino que resulta mucho más digna de lo que cabría esperar. No busca recrearse en las imágenes más gore, repulsivas o escatológicas, sino que prefiere provocar esa repulsión, pro ejemplo, mediante las explicaciones que va dando el Dr. Heiter sobre sus ideas respecto a la creación del ciempiés humano. O recurriendo a los primeros planos de los rostros de sus (desconcertadas y horrorizadas) víctimas; y naturalmente dejando que sea la imaginación de cada espectador la que trabaje, potenciando incluso los efectos al pensar, pongamos por caso, que de los 3 que pueden formar el ciempiés, el de en medio es el lugar de castigo, pues ninguno de sus orificios, boca o ano, está, digamos libre; o cómo será el momento en que el primero de ellos tenga la necesidad de defecar (empezando la cadena de alimentación con los otros dos, y en la que, a su vez, el tercero lo que se tragará serán los excrementos que proceden ya de otros excrementos).

El estilo visual que imprime Six no es para nada tosco ni cutre, sino todo lo contrario, aunque con medios limitadísimos, su película es estilizada, digamos que incluso elegante en su puesta de escena (no es uno de esos subproductor sólo aptos para satisfacer una audiencia muy concreta, sino que puede ser asimilable para un sector del público aficionado al género mucho más amplio) y sacando un estupendo partido tanto de sus elementos mínimos como de sus limitaciones, o que pese a su acertada contención se desboque en su tramo final. Y el humor negro, lo grotesco y la repugnancia combinan muy bien en esta propuesta sin duda no apta para todos los estómagos pero prácticamente indispensable para los amantes del género. Y se pude ”disfrutar” sencillamente cómo lo que es, sin intentar darle más coartadas culturales o justificaciones filosóficas o profundas.

Teniendo en cuenta que aquí ni siquiera se han estrenado, no ya en cines sino en DVD, algunas de las obras más renovadoras, originales y decididamente perversivas, impactantes y sangrientas del género hechas en Europa, caso de las francesas ‘Frontière(s)’, ‘A l’intérieur’ o ‘Martyrs’ o la británica ‘Eden Lake’, se hace difícil pensar que una propuesta como ésta llegue, al menos por vías “legales”, a los ojos del espectador español.







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‘Tierra de faraones’ (Land of the Pharaohs, 1955) no está considerada como una de las mejores películas de Howard Hawks. Algo que, por otro lado, tampoco resulta desdeñables si tenemos en cuenta que estamos hablando de uno de los mejores directores de la historia del cine. En su haber hay obras maestras inscritas en géneros muy diversos, desde la comedia (‘La fiera de mi niña’) al western (‘Río Bravo’, ‘El Dorado’, ‘Río rojo’) o el cine negro (‘, el terror del hampa’) o el de aventuras (‘Sólo los ángeles tienen alas’). No las he citado todas, pero ahí queda constancia de la maestría de Hawks.

Para este encargo de Continental Company, Ltd con el apoyo de Warner Bros., para adaptar la novela del ganador del Nobel William Faulkner, Hawks, capaz de manejar grandes presupuestos o inversiones modestas, tuvo en sus manos una abultada cantidad de dólares, 2,9 millones de los años 50. Relativamente bajos si se les compara con otras superproducciones similares de corte histórico o bíblico, caso de ‘La túnica sagrada’, de dos años antes y dirigida por Henry Koster, y que costó 5 millones; ‘Los Diez Mandamientos’, realizada un año después, de nada menos que 13 millones; o ‘Ben-Hur’, estrenada en 1959 y contando con un presupuesto de 15 millones.

Pero en esta recreación, naturalmente muy hollywoodiense, muy libre, de la construcción de la gran pirámide de Keops en el Antiguo Egipto de 2570 a.C., llegó a haber hasta casi 10.000 extras en una misma escena. Y aún moviéndose en cifras tan altas, ‘Tierra de faraones’ no tuvo a ninguna auténtica estrella como gancho para atraer al público. Es más, ni siquiera tienen relevancia la tópica y consabida subtrama romántica con la que asegurarse el éxito en taquilla.

Jack Hawkins asumió encarnar al faraón Keops, un hombre extremadamente ambicioso, tanto en las conquistas y riquezas que podía acumular en esta vida como las que podía llevarse a la otra después de su muerte, y en las que construcción de su monumento funerario sería la culminación de su vida y obra, una fortaleza mortuoria inasequible a las violaciones de los ladrones de tumbas. El otro gran plato fuerte de la función era una joven de 21 años cuando rodó la película, Joan Collins (en un personaje que se avanzaba unas décadas al que le haría realmente famosa, la pérfida Alexis Carrington en el culebrón televisivo ‘Dinastía’). La princesa de Chipre, Nellifer, materializada en una explosiva mezcla de erotismo y codicia.



Vashtar (James Robertson Justice) era la otra piedra angular de la historia como el esclavo e ingeniero judío (inspirado en la realidad en el personaje de Hemiunu) que aceptará el reto de diseñar la fastuosa e inexpugnable pirámide a cambió de la liberación de su pueblo. Su hijo, el joven Senta (Dewey Martin) protagonizará las escasas pinceladas románticas.

La disección de la labor de dirección de Hawks, o del tratamiento del guión y personajes, no daría, como comentaba, para una obra maestra, ni tampoco para el excelente. Pero sí para un notable. Aunque lo mejor es que el visionado de ‘Tierra de faraones’ es de aquellos que no se olvidan. Posee esa rara y mágica cualidad de que algunas de sus escenas y momentos queden fácilmente impregnadas en la memoria del espectador.

Curiosamente, una de las que más recuerdo se produce gracias a la voz en off, cuando hacia el inicio millares y millares de siervos y voluntarios egipcios para edificar la pirámide pasan, en pocos instantes (años en la película) del entusiasmo y los cánticos de alegría iniciales al lógico cansancio y desaliento ante una obra de tal magnitud que nunca parece terminarse. Efecto tratado a través de la música de Dimitri Tiomkin, algún cambio en la imagen (la voluntad de los trabajadores se rige ahora a golpe de látigo) y sobre todo por la voz en off que citaba.

La secuencia con el hijo varón heredero del trono de Keops, una flauta y una cobra, es otro de esos momentos que nunca se olvidan, al igual que el destino final que correrá Nellifer, una auténtica víbora, como justo castigo a su perversidad.



Imágenes:








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Os dejo con las fotos aquí.

Espero que pronto veamos un avance.

Los fantasmas de niñas asiáticas saliendo de un televisor, y llamadas de teléfono que a nadie le gustaría recibir. Volverá 'The Ring' y esta vez a todo relieve, en 3 dimensiones, según informa en primicia Heat Vision.

Paramount Pictures quiere llevar al cine una tercera entrega de la película original de Hideo Nakata, 'The Ring: (El círculo)' de 1998, y que ya tuvo su correspondiente remake hollywoodiense con 'La señal', en 2002 y realizada por Gore Verbinski, y naturalmente como la cosa tuvo éxito hubo una secuela, tres años después y esta vez dirigida por el propio Nakata, y ambas con Naomi Watts como protagonista.

El guión ya ha sido encargado a David Loucka ('Dream House'). De momento no hay director ni reparto.




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Woody Allen ha encontrado a su actual alter ego perfecto en pantalla en la figura del showman Larry David, reconocido sobre todo por haber sido uno de los creadores y guionistas de la serie ‘Seinfeld’. Aunque más alto, David da perfectamente el pego como trasunto de un Allen que se permite, de nuevo, ensalzar y a la vez mofarse de intelectuales y pseudogeniecillos, urbanitas y pueblerinos y otra fauna que puebla o llega a recalar alguna vez por los confines de Nueva York.

Larry David es Boris Yellnikoff, un pobre diablo solitario y cascarrabias, con claras tendencias suicidas en caso de fracaso amoroso, que casi fue candidato al Novel de física y cuya mayor idea de diversión, en un mundo que considera mediocre y cruel, es el de visitar por enésima vez el museo del Holocausto (el United States Holocaust Memorial Museum).

Una mente brillante y una lengua viperina e ingeniosa que curiosamente hallará a una de sus medias naranjas en una joven muchacha totalmente opuesta a él, una pueblerina, sobrada de belleza y escasa de intelecto, Melodie (Evan Rachel Wood), y de la que el perpetuamente malhumorado Boris podría ser perfectamente su padre, o su profesor, pero que después de acogerla durante un tiempo por caridad en su casa, se acabará convirtiendo en su esposa.

Naturalmente, la diferencia de edad, pese a que ella parece tener incluso unos principios morales más firmes que él (más por simples que por haber meditado mucho) en cuestiones matrimoniales o sobre el amor, se revelará un obstáculo insalvable cuando aparezca en escena otro pretendiente, más joven y más guapo (Henry Cavill). El personaje que, con toda la envidia del mundo sea por parte de Woody Allen o de su alter ego, siempre acaba llevándose a la chica de la película. Pero en esta ocasión, Allen tampoco desea dejar a ninguno de sus personajes solo.


Y la cosa para el peculiar cineasta bajito, casi calvo y con gafas, vuelve a funcionar, más o menos. Entre réplicas, personajes y situaciones brillantes y otras que… cansan. Porque a Allen le sigo achacando el fatal error de trabajar insuficientemente sus guiones, de no redondear sus propuestas con la manía de rodar al ritmo de una película al año.

La relación entre Melodie y Boris funciona a ratos, a medias, y habrá que esperar la entrada en escena de un par de personajes más, el de la madre de ella, Marietta (Patricia Clarkson), hasta ese momento una reprimida sexualmente ama de casa; y el del padre, John (Ed Begley Jr.), otro individuo de sexualidad reprimida y miembro convencido de la Sociedad Nacional del Rifle, para que la cosa acabe de animarse.

Woody Allen va resolviendo los distintos avatares de sus personajes rápidamente, yendo al grano, con esa manera de filmar, también muy querida por él, próxima al teatro. Las escenas de ‘Si la cosa funciona’ muy bien podrían representarse encima de las tablas de Broadway, con interpretaciones gesticulantes y réplicas rápidas e hilarantes en sus distintos decorados, y sin tener que cambiar mucho, tampoco en cuanto a disposición de personajes y objetos de lo visto en la película.

Pero sobre todo resulta clarividente a la hora de resumirnos en una imagen el ideal del setentón Woody Allen: la de estar con una chica joven y guapa, tranquilamente sentado en el sofá de su casa mientras degusta por televisión uno de esos reconfortantes clásicos del cine norteamericano, por ejemplo, una de Fred Astaire. Momento en el que a Larry David/Woody Allen sólo le faltaría tocar el saxo.


En DVD y Blu-ray desde el 21 de abril de 2010






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Wes Anderson es uno de los directores imprescindibles del cine norteamericano actual. Sus películas podrán gustar más o menos, pero ha sido alguien capaz de crear algo nuevo en sus historias o el modo de reflejar a sus personajes e interacciones. Personalmente, uno de los distintivos que más me llama la atención es su genial y particular capacidad para tratar el humor más negro, de plasmar un tipo de comedia que surge de manera tan natural en la historia como capaz tanto de sacarte una sonrisa y dejarte frío al mismo tiempo. Y no es que sea grotesco, es más bien el toque Anderson, un toque que sorprende además por imprevisible.

Y esta adaptación de un libro infantil de Roahl Dahl, publicado en 1970 y en España bajo el título de ‘El superzorro’, es una muestra más de su condición de autor. Siendo completamente fiel al entramado de la novela en la que se basa (incluso el final de la película y del libro son el mismo), aunque añadiendo algunas modificaciones (por ejemplo, su protagonista es padre de un hijo en la película, y de cuatro en el relato de Dahl), también para expandir el relato para que diera de sí un mayor metraje, lo que consigue Wes Anderson es impregnar la historia y sobre todo los personajes con su propio estilo. Por decirlo de alguna manera, una vez visto este ‘Fantástico Sr. Fox’ no cabe duda de que estamos más ante un relato de Wes Anderson que de Roahl Dahl. Algo que me parece todo un elogio para alguien que se le pueda llamar autor (y siempre que aún se siga confiando en que tal término existe).

Teniendo en cuenta que este cuento fue el primero de Dahl que Anderson leyó, y el primer libro, según el mismo director, que se compró; unido a su amor hacia la animación tradicional en stop-motion, y de la que tuvimos oportunidad de ver otro excelente extracto en su estupenda ‘The Life Aquatic’ (en unas escenas submarinas animadas por el maestro Henry Selick), resulta menos sorprendente que éste sea su primer largometraje completamente de animación, pese a que, al menos yo, nunca hubiera relacionado antes a Anderson con el cine de animación.

El stop-motion unido a la textura de bellísimos colores ocres, amarillos y marrones, propios de la tierra, del color de los zorros o de ese tiempo otoñal que puede relacionarse fácilmente con la etapa de madurez por la que atraviesa su protagonista, el Sr. Fox, confiere a la película un indiscutible encanto, artesanal, elaborado y mágico, potenciado por esas mismas imperfecciones y sentido de lo artificial, de lo “animado” de la técnica.


Sin embargo, uno de los principales logros de ‘Fantástico Sr. Fox’, que no es que me haya entusiasmado, pero me parece muy notable, son los personajes. Todo un hallazgo y con el personal sello de Wes Anderson. La composición de ese Sr. Fox (voz original de George Clooney) , un padre de familia aburguesado y acomodado a su pesar, debido a la promesa que le hizo a su esposa de dejar lo que más le gustaba, el oficio de ladrón de gallinas y cualquier ave de corral, y que ahora se gana el sustento como columnista del periódico local, resulta verdaderamente carismática. Aún teniendo en cuenta su vanidad y egoísmo, también desprende un irresistible encanto, ingenio y una envidiable honestidad consigo mismo.

La ruin rata malhechora (con voz original de Willem Dafoe) que se ha pasado al bando de los humanos, concretamente de uno de los 3 despiadados granjeros que perseguirán incansablemente al Sr. Fox, es otra de las joyas en cuanto a personajes. Al igual que las excelentes caracterizaciones de la esposa (voz de Meryl Streep), el hijo con serios complejos de inferioridad o su primo, un atleta y un “chico” modelo, pero con su padre a punto de morir y afectado por unos repentinos ataques de depresión.

Memorable también la escena con el encuentro, desde una cierta distancia, con un lobo (a los que el Sr. Fox les tiene auténtica fobia) y que destila belleza y respeto por el mundo animal.

Todo ello puesto al servicio de muchas más cosas, pero sobre todo en esta singular batalla entre poderosos humanos y astutos zorros prevalece el mensaje sobre el valor de ser distintos (momento especial también, cuando aparecen impresas con letras los nombres en latín de cada especie de animal, remarcando la singularidad y origen de cada uno de ellos), con nuestras rarezas, limitaciones y deseos a los que no renunciar, que son los que al fin y al cabo nos harán realmente únicos y especiales como seres, se trate de humanos u otros mamíferos con más pelaje.







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Espero que los productores no hayan capado la película como hicieron con 'El Reino de los Cielos'.

El clip:

Ojo a la frikada, porque no tiene desperdicio:

"A pocos días del estreno de la película, Marvel & Paramount han hecho
público esta increíble aplicación de Realidad Aumentada

http://www.iamironman2.com/es

¿Rojo y dorado, o mejor plata titanio? Dura elección ¿Pero, por qué no
probarse los dos cascos de Iron Man & War Machine y así podéis ver cuál os
queda mejor?

No sólo podréis ver como os queda la última armadura del superhéroe,
también permite al usuario moverse tranquilamente por la pantalla, con el
casco completamente adaptado a sus movimientos, y experimentar las
ventajas de la tecnología HUD (Heads Up Display).

Necesitaréis una cámara web para poder activar I Am Iron Man 2. En el
siguiente vídeo se explica cómo funciona la aplicación y varios ejemplos
de los resultados."

Marvel está dispuesta a exprimir hasta lo imposible, y hasta que sea posible, el filón de los superhéroes a la gran pantalla. Su más reciente idea es la de producir películas de bajo presupuesto, entre 20 y 40 millones de dólares, con superhéroes menos conocidos como protagonistas.

Puede ser el caso de el Dr. Extraño, Ka-Zar, Luke Cage, Dazzler o los Power Pack. También el de La Viuda Negra, que aparecerá en 'Iron Man 2' interpretada por Scarlett Johansson, y que podría tener su propio spin off; o incluso de Spider-woman, de entre las que se rumorea como candidatas está ya la actriz Vanessa Hudgens (de 'High School Musical').


Unos costes de producción y promoción mucho más discretos que disminuyen el riesgo de tener pérdidas, incluso se podrían obtener suculentos beneficios en su explotación después en el mercado del vídeo. Está el ejemplo de 'Kick Ass', de Matthew Vaugh, que está cosechando además notables críticas en Estados Unidos. Y aunque su incursión en taquilla ha sido menor de menor impacto de lo esperado (unos 34 millones de dólares en diez días), su bajo coste de sólo 30 millones le permitirá tal vez no ser una mina de oro pero sí haberse convertido en un buen negocio.

Por cierto, 'Iron Man 2' ha costado 200 millones de dólares. 
 
Fuente: CHUD





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¿Qué os parece Rourke en este tipo de papel?

Fuente: Firsthowing.

Acompañan a Ronan nada menos que Cate Blanchett y Eric Bana.

Fuente: E.S.A.

En 2007 un aspirante a reportero y sus cámaras desaparecieron en una localidad rural de Wisconsin mientras investigaban la horrible muerte de dos hermanas gemelas encontradas muertas en el granero de su familia. En otoño de 2009 su historia salió a la luz, a través de Internet.

Esta es la premisa de 'Re-Cut', película del debutante Fritz Manger que hace de director, guionista y productor de una película que ya ha sido comparada con la inevitable 'El proyecto de la bruja de Blair' (y, ¿por qué no? también con '[Rec]'), pues está contado mediante las grabaciones recogidas por las cámaras.

El estreno, al menos en Estados Unidos, está previsto para este otoño. De momento podemos ver su cartel promocional y también el primer tráiler.










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