Es la noticia de las últimas horas, sobre todo para los fans de la saga de 'El señor de los anillos'. Guillermo del Toro ha renunciado a dirigir 'El Hobbit' a causa de la crisis de la compañía Metro Goldwyn Mayer y que ha hecho retrasar el inicio del rodaje de esta superproducción, que se estrenaría en dos partes.

Todavía no se sabe cuando podrá empezar una filmación que además le llevaría varios años, y el director mexicano no está dispuesto a estar tanto tiempo sin dirigir o atado a un proyecto.

"Después de casi dos años de vivir, respirar y diseñar un mundo tan rico como la Tierra Media de Tolkien, debo, con un gran pesar, dejar de encabezar estas maravillosas películas. Me mantengo agradecido a Peter, Fran Walsh y Philippa Boyens, New Line, Warner Brothers y a todo mi equipo en Nueva Zelanda", ha explicado Del Toro en una carta a TheOneRing.

Ahora se vuelven abrir una vez más los rumores y especulaciones sobre quien podría retomar las riendas de 'El Hobbit'. Tal vez el mismo Peter Jackson que prefería estar sólo como guionista y productor. Mientras que Guillermo de Toro tiene ganas de volver a ponerse en marcha con otro proyecto. ¿Será la anunciada adaptación de 'En las montañas de la locura', de Lovecraft?






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Sí. Hoy lunes 31 de mayo Clint Eastwood cumple 80 años. Actor, productor, compositor y director, faceta en la que se le viene denominando como "el último gran clásico vivo", y de ésto ya hace más de dos décadas.

Por suerte, sigue en forma. En octubre estrenará el thriller sobrenatural 'Hereafter', con Matt Damon', e ideas y proyectos no le faltan como una biografía sobre el músico de jazz Duke Ellington u otra sobre el fundador de la CIA, J. Edgar Hoover.

Ante la pantalla será dificil que le veamos de nuevo porque con 'Gran torino' anunció que sería su último trabajo como actor. Esperemos que no cumpla su palabra.

Y desde Cinempatía nos sumamos a las felicitaciones por su aniversario. ¡Y que cumplas mucho más, maestro Clint!




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La película cuenta la historia del dependiente de un vídeo-club que tiene ciertos problemas de cabeza: le han pegado un tiro y se le quedó la bala dentro... Sabe que puede morirse en cualquier momento y quiere venganza así que, junto con su peculiar grupo de amigos -entre ellos una bala humana y una contorsionista- planea destruir las fábricas de armas que hicieron la bala que lleva dentro.

Viva Jeunet y lo bizarro.

¿Cómo reaccionaría una familia normal, pacífica y feliz ante el dilema moral de deber elegir hacerse con el dinero rápido y fácil de un millón de dólares aunque ello acarrease a cambio la muerte de una persona, de un desconocido? Para ello sólo deberán pulsar un botón guardado en una misteriosa caja. Es la disyuntiva del relato corto ‘Botón, botón’ (1970) de Richard Mattheson, y que para su adaptación al largometraje, el mismo director, Richard Kelly (también productor), se ha encargado de escribir el guión, alargando la premisa original de Mattheson.

Lógicamente hay más personajes, como la inclusión de un hijo en el matrimonio protagonista, los Lewis, y un entramado mayor, más complicado y enigmático de situaciones que lleva este dilema de lo particular e intimista (una familia) hasta un sentido más universal (involucrando a toda la Tierra). Metafísica, ciencia-ficción, drama, tragedia, intriga y algunas pinceladas de terror en una historia que acaba resultando innecesaria en cuanto a tantas subtramas, vericuetos y cóctel de géneros. Y pese a contar con la presencia de Cameron Diaz y James Mardsen. Marido y mujer en esta ficción, y de un siempre estimulante y aristocráticamente inquietante Frank Langella, no evita seguramente que más de un espectador, o la mayoría, se aburran; lo que explicaría su relativo fracaso comercial o la más bien fría, por no decir mala acogida que ha tenido por parte de la crítica. Del mismo modo, su desenlace final podría ser etiquetado fácilmente como decepcionante.

Sí. A Richard Kelly, el director del filme de culto ‘Donnie Darko’ le han llovido también los palos con ‘The Box’, su paso al cine más comercial. Y estaba necesitado de un éxito después de la malísima recepción de su anterior trabajo ‘Southland Tales’ (estrenado aquí directamente en vídeo y con el título de ‘Las horas perdidas’), otra extraña mezcla con musical y dosis de ciencia-ficción. Aunque lo suyo ha sido también llevar a su terreno el universo de Richard Mattheson. Por mi parte nada que objetar a esto. Siempre me resulta mucho mejor si en una adaptación el autor, o autores principales, son capaces de dejar su impronta, de decir algo más o algo distinto de la fuente original.


Fiel a intentar hacer una película que destile una atmosfera retro, más acorde con las películas o series con las que se crió Kelly, ‘The box’ mantiene la ambientación del cuento original, a mediados de los 70. Una decisión que le permitía plasmar también dos elementos más: la simple acción de pulsar un botón era un acto más premeditado y voluntario hace 30 años que en la actualidad (rodeados de tanta tecnología, Internet, móviles, televisores, mandos a distancia, pulsar un botón o tecla se ha convertido en algo habitual); y 1976 fue un periodo también especialmente fascinante y enigmático ante el hecho de haber enviado la primera unidad robótica a Marte (por medio de la misión espacial Viking), y con las consiguientes posibilidades de obtener información sobre vida en otros planetas.

Y aunque estoy totalmente de acuerdo en que el guión intenta rizar el rizo y crear falsas expectativas en un cóctel no siempre conseguido, o en ese aspecto “comercial” sobre si su ritmo puede ser demasiado anodino; no por ello me parece ‘The Box’ una película despreciable. Al contrario. La puesta en escena es puro Richard Kelly, y esa inclusión de varios personajes, algunos muy breves (como el alumno que luego encontraremos trabajando de camarero, o la fugaz figura de un Santa Claus en medio de la carretera y de noche), son inherentes al universo de Kelly. Son personajes enigmáticos que van dando (o procurando ofrecer) más pistas o despistes, personajes muy cercanos también al de su obra de culto ‘Donnie Darko’.

El trabajo tras las cámaras de Richard Kelly es realmente bueno en ocasiones, y entre los muchos apuntes que se podrían destacar está el dotar de una textura casi irreal, fantasmagórica, a esas instalaciones de la NASA (origen de la procedencia del misterio que rodea a la caja del título). Se aleja de lo que podría haber sido mucho más convencional, concentrándose sólo en la familia Lewis (Cameron y Mardsen) y sus idas y venidas, discusiones y problemas sobre lo que podría suponer o no su decisión. Y se transforma en una parábola sobre los peligros del egoísmo y la prioridad de intentar satisfacer las necesidades y placeres propios inmediatos antes que preocuparse por el bien común.




EN LA DIMENSIÓN DESCONOCIDA. EL EPISODIO DE TELEVISIÓN

‘Botón, botón’ (Button, Button) ya inspiró uno de los episodio de la mítica serie televisiva creada por Rod Serling ‘The Twilight Zone’ (La dimensión desconocida), pero no en su etapa de oro, de los años 50 y 60 sino en el intento de hacerla resurgir, y a todo color (pero sin éxito), de a mediados de los 80.

En unos 20 minutos, y dirigido por Peter Medak (‘Al final de la escalera’), la acción estaba más cerrada y centrada en los 3 personajes: el extraño hombre de negro portador de la caja, Steward (Basil Hoffman, que tiene un cameo en el filme de Kelly, interpretando al científico de la NASA Don Poates), el señor (Brad Davis) y la señora Lewis (Mare Winningham).

El extraño no es el tipo educado que interpreta Langella sino alguien más impulsivo; el marido es igualmente un buenazo y con la particularidad de ser tartamudo, y a la esposa, Norma Lewis, le corresponde el papel de “mala”, una mujer acuciada tanto por las precariedades económicas como por el aburrimiento de su vida cotidiana (alguien que se molesta porque debe hacer la compra a pie porque el único auto de la pareja está aún averiado). Una mujer dominada por la ansiedad y el egoísmo y que no para de fumar (el paso del tiempo se mide por la cantidad de colillas que desbordan sus ceniceros). En cambio, él no duda ni por momento oponerse a pulsar el botón si ello puede suponer la muerte de otra persona. De este modo, ella empezará su particular calvario en torno al dilema de apretar o no el dispositivo a cambio de esa suculenta oferta que, en este episodio de ‘The Tiwlight Zone’, era de 200.000 dólares (en lugar del millón de ‘The Box’).

Una realización televisiva, o más teatral, con los únicos escenarios del garaje (al inicio), los principales habitáculos de la casa de los Lewis y algún plano general del patio de vecinos. Y evidentemente, con una trama muy simple, con lo básico de ‘Botón , botón’, aunque variando el final, algo que no fue del agrado de Mattheson (y que prefirió que su nombre apareciera bajo el pseudónimo de Logan Swanson).


LOS TRES FINALES: EL CUENTO, EL EPISODIO Y LA PELÍCULA



En el cuento original de Mattheson, con 20.000 dólares a cambio de pulsar el botón, el “desconocido que fallece es el propio marido de la protagonista, y cuando ella pregunte el porque, la respuesta por parte del extraño visitante será preguntarle si estaba realmente segura de conocer a su esposo, con lo que Mattheson se centraba sobre todo en los aspectos más cercanos e íntimos de la tragedia, el del propio núcleo de la pareja y el preguntarse si conocemos a la persona que tenemos al lado.

En el episodio de televisión, el desenlace dejaba helados a su pareja protagonista ante las palabras del visitante de negro que haciendo hincapié en que la caja sería ahora entregada a otros, a una pareja que ellos “no conocían”, dejando con el temor en el cuerpo a los Lewis ante la duda de si ellos podrían ser los siguientes en morir, cualquier día cuando alguien más pulsará el botón. Nuevamente, el terror se concentra en la pareja protagonista, y se extiende a todos al pensar en esa posible cadena de acto-consecuencia.

Richard Kelly en ‘The Box’ recoge ambos finales a lo largo de su guión, aunque no son prioritarios para su desenlace. Arlington Steward (Frank Langella) le deja caer en un momento de su conversación con Norma Lewis (Cameron Diaz) la duda sobre si realmente conoce a su marido (vinculándolo con la idea del final del relato original de Mattheson); y también está el temor de que ellos puedan ser los próximos en morir cuando otros desconocidos aprieten el botón. Pero en su armazón argumental, prefiere decantarse hacia algo más universal, que puede afectar a toda la humanidad: una prueba hecha por seres mucho más avanzados que los terrestres para dirimir si éstos merecen o no seguir existiendo.

El botón se convierte entonces en una especie de prueba, y al mismo tiempo arma ejecutoria, de modo que si prevalece el egoísmo y las gratificación instantánea por encima de los intereses colectivos, la Humanidad, a base de ir pulsando botones, estaría condenada a su extinción.







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Los estudios Warner Bros. ya han señalado la fecha de estreno para la segunda parte de 'Sherlock Holmes'. Será el 16 de diciembre de 2011, según ha revelado el presidente de la compañía, Barry Meyer, en el Time Warner (la red de medios, internet, televisión, prensa... de los propios estudios) de Nueva York.

Repetirán tanto Guy Ritchie tras las cámaras como Robert Downey jr. encarnando a Sherlock Holmes y Jude Law a su inseparable Dr. Watson.

Falta ir ultimando más detalles, pero también todo indica que Brad Pitt podría ser el profesor Moriarty. Los rumores sobre su participación ya empezaron a punto de estrenarse la primera, asegurando que Brad Pitt había estado en el set para añadir nuevas escenas con él haciendo del archienemigo de Holmes. Pero finalmente, el personaje de Moriarty apareció sin que le llegáramos a ver el rostro.

'Sherlock Holmes' no sólo ha estado uno de los blockbusters más dignos que nos ha ofrecido Hollywood en los últimos meses sino que ya lleva recaudados en los cines casi 517 millones de dólares, cuando su presupuesto fue de 90.



Fuente: Heat Vision




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DEP.

Megan Fox vuelve a ser noticia después de haber estado el centro de atención en los últimos días por su salida de 'Transformers 3'. No por razones interpretativas, aspecto en el que no está destacando para nada, pero no hay duda de que ha sido la gran bomba sexy de la gran pantalla desde que apareció en la primera de 'Transformers', en 2007.

Dejando atrás el que ella asegura que su marcha del proyecto de 'Transformers' fue debida a los malos tratos y los "abusos verbales" del (despótico) Michael Bay, obligándola a rodar escenas que incluso ponían en peligro su integridad física (no es ningún secreto, por lo que vemos en sus películas, que a Bay le va lo machote y lo militar), la modelo y ¿actriz? ha recibido una oferta para dejarse ver en 'Piratas del Caribe 4: On Stranger Tides'.

Y tal vez no será necesario ni que actúe, sólo tendría que prestar su rostro y cuerpo para hacer de sirena, y atraer con su belleza y cánticos al Capitán Sparrow (Johnny Depp) con intenciones poco de fiar, apartándolo de los brazos de la hija del capitán pirata Barbanegra (interpretada por Penélope Cruz).

Mientras Megan se lo piensa, recordamos que 'Piratas del Caribe 4' tiene previsto su estreno el 20 de mayo de 2011, al menos en Estados Unidos, también en 3D. Y dirige Rob Marshall, que después del descalabro del musical 'Nine', pese a su gran elenco, no sé que pensar que puede salir de todo esto. Bueno, seguro que al menos quedará una película bonita, cuidada en cuant a imágenes y dirección artística.

Fuente: ShowBizSpy





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Tremendo el exitazo en taquilla de la 'Alicia en el país de las maravillas' dirigida por Tim Burton y producida por los estudios Disney. Esta misma semana acaba de superar los 1.000 millones de dólares de recaudación en los cines de todo el mundo, convirtiéndose en la sexta película más taquillera (sin tener en cuenta la inflación a lo largo de los años). Y sigue sumando. Aunque, en contraste, la crítica no ha sido igual de espléndida con el filme de Tim Burton, más bien tirando a fría.

Por delante de ella tiene a 'El caballero oscuro', con 1.001,8 millones, y cifra que presumiblemente pronto va a superar.

Los primeros puestos (con dos superproducciones de James Cameron en lo más alto) estarían ocupados por:

1 - 'Avatar': 2.730 millones

2 - 'Titanic': 1.835,6

3 - El señor de los anillos: El retorno del rey: 1.129,2

4 - Piratas del Caribe : El cofre del hombre muerto: 1.060,6


Fuentes: Disney / WorldWideBoxoffice




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La problemática Lindsay Lohan en un papel que le va como anillo al dedo, el de la actriz porno Linda Lovelace, conocida sobre todo por haber sido la estrella de un título de culto del "cine para adultos" de los setenta, 'Garganta profunda', y una vida que no fue precisamente un camino de rosas.

Se estrenará a lo largo de 2011, tal vez a principios, pero aún no hay fecha de estreno fijada. Y el biopic, titulado 'Inferno', está dirigido por el dúo Rob Epstein y Jeffrey Friedman, que han trabajado en televisión y en documentales, pero sin largometrajes destacables a reseñar en la gran pantalla, al menos hasta ahora.

De momento, nos llegan un par de sus carteles promocionales para empezar a entrar en ambiente.











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Parece mentira que el mismo director que hizo ‘Sáhara’, una olvidable superproducción (aunque no lo pareciera) de aventuras con Matthew McConaughey y Penélope Cruz, haya firmado también ‘The Crazies’. Los 130 millones de dólares de la primera en contraste con los sólo 20 de la segunda, y los resultados no tienen comparación. ‘The Crazies’ le da mil vueltas a ‘Sahara’. Una era caótica, aburrida y rutinaria, la otra planifica perfectamente su tensión, entretiene y saca muy buen partido de su material, basado en una película de George A. Romero de 1973.

El director es Breck Eisner y no sitúa en el una pequeña localidad situada en el centro-oeste de Norteamérica, en Iowa, para relatarnos una amenaza, en uno de los subtemas más queridos y tratados por el género fantástico, el que provocará un virus. Un peligro que no viene del (espacio) exterior sino de nuestro propio mundo. Un gas que transforma a los apacibles lugareños que sólo desean cosechar sus tierras, disfrutar con el béisbol y procrear en paz en seres enloquecidos y, lo más grave, que únicamente piensan en cargarse al prójimo. Personas de lo más normales convertidos en auténticos psicópatas y en apenas unas horas. Y la intervención de los equipos militares, médicos y científicos del gobierno (atención a esos planos de cámaras vía satélite), en su misión de erradicar el problema, serán otro escollo importante a salvar para el reducido número de personajes inmunes a los efectos del gas.

Con los enloquecidos por una parte y las fuerzas oficiales por el otro intentando liquidarlos, cabe suponer que el grupo de supervivientes tratando de escapar de una muerte segura no lo tendrá nada fácil. ‘The Crazies’ va mostrando sus cartas linealmente y deprisa, me refiero a que no hay que esperar demasiado tiempo para saber lo que ha ocurrido. Su argumento se convierte entonces en un survival entre el thriller y el género de zombis, poseídos o infectados, cómo sería este el caso, y que tiene a unos convincentes Timothy Olyphant y Radha Mitchell interpretando a su pareja protagonista, el matrimonio compuesto por el sheriff y la doctora del lugar. Y ambos muy bien secundados por Joe Anderson como Russell, el ayudante del sheriff.


La película se construye, en un clima notable por parte de Eisner, alrededor de varias secuencias especialmente impactantes o tensas: un granjero acosando a su esposa e hijo encerrados en el armario, el encuentro del sheriff con el encargado de los servicios funerarios, uno de los enloquecidos con un rastrillo aniquilando a pacientes atados a una cama, el terror y el suspense dentro de un túnel de lavado de coches… hay más, pero estos son algunos de los mejores ejemplos. Y lo mejor es que pese a que muchas de sus situaciones puedan parecer ya trilladas, el trabajo con el ritmo, la planificación o el empleo de los decorados es más que notable.

Igualmente no faltan los pequeños detalles o planos de lo más interesantes. La revelación a la doctora de que personas cercanas, familiares, empiezan a “encontrarse mal” (indicios de un comportamiento extraño que recuerdan al inicio de ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’); o la silueta de la esposa de uno de los granjeros infectados ante las luces encendidas de una enorme máquina cosechadora, empeziezan a esparcir los primeros toques de atmosfera enrarecida y una inquietud que no tardará en apoderarse completamente del relato. No es que haya innovación u originalidad, en cuanto a contenido o forma, pero la firmeza y las ideas claras de Eisner en la dirección la hacen realmente destacable y “disfrutable”.

 





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La serie B en el género fantástico siempre ha sido refugio, cantera o fuente de sorpresas más que agradables. No es el caso de ‘Legión’, de Scott Stewart, que nos plantea la premisa, en una ocurrencia tampoco excesivamente original, de que Dios haya perdido su Fe en la Humanidad cansado de tanta maldad.

La mala hostia divina se traducirá en enviar a la Tierra un ejército de ángeles para liquidar a un bebé, todavía no nacido, destinado a ser el nuevo Mesías y, de paso, exterminar a cuantos más seres humanos mejor. Idea que le da la vuelta a esa imagen de demonios apoderándose de cuerpos terrenales para hacer que sean las supuestamente bondadosas criaturas celestiales las que infundan auténtico pavor cuando poseen a una persona. Sería, en parte, algo así como una versión fast food de ‘El exorcista’ con elementos de ‘La cosa’ o ‘El príncipe de las tinieblas’, ambas de John Carpenter, entre muchas otras como ‘Ángeles y demonios’ (no la adaptación del best seller de Dan Brown sino la modesta producción de 1995 de título original ‘The Profecy’, dirigida por Gregory Widen).

Y ya que el presupesto tampoco daba para más, ni siquiera para unos efectos visuales especialmente buenos, la acción se concentra sobre todo en un reducido grupo de personajes y una olvidada cafetería (de nombre muy revelador: ‘Paradise Falls’, "La caída del Paraíso") situada en mitad de un polvoriento desierto. Allí es donde trabaja como camarera la nueva “Virgen” María, que responde al andrógino nombre de Charlie (Adrianne Palicki), madre soltera y embarazada de ocho meses protegida por el dueño del local (un Dennis Quaid en su enésimo papel de perdedor borracho), y su hijo, Jeep (Lucas Black), un muchacho no sólo enamorado de ella sino también de corazón puro.


Pero, ¿qué hace de ‘Legión’ una mala película? El argumento ya es en sí mismo un sinsentido, pero mucha relación con ello tiene el que ya para empezar la presentación de personajes sea plomiza; que en lugar de trabajar mejor la tensión, el miedo, una atmosfera malsana… o ir más al grano con los momentos de acción y terror (que de eso se trata en una propuesta de esta clase) dedique demasiado tiempo a hacer que sus personajes hablen, dialoguen, se sinceren entre ellos en un surtido de tópicos evitables que perjudican la caída de la atención invitando al bostezo. O el uso de recursos tan desgastados como el convertir a rostros de lo más inocentes e inocuos, los de una anciana o una niña, en protagonistas de algunos de los (supuestamente) momentos más terroríficos. ¿Cuántas películas sobre zombis habrán hecho lo mismo? Pues, como mínimo es un recursos bastante regular desde que George A. Romero fundó el género-zombis, hace más de 40 años.

La función se anima muy pocas veces y, lo peor, el final se convierte en una sucesión de clímax que más bien son anti-clímax que caen en el ridículo, por manidos, por "espantosos". En medio también desaprovecha algunas de las que podrían haber sido sus mejores bazas, como la aparición de un heladero poseído  transformándose en una especie de arácnido.

Citaba antes algunas referencias a títulos de terror. Pero la sensación es que ‘Legión’ es en realidad una versión light, muy light y en clave de horror, de ‘Terminator’ con un post-apocalipsis en el horizonte y un grupo de rebeldes dispuestos a hacer frente a los T-1000 formato ángel que haga falta, y que deberán ser liderados por un John Connor mesiánico contra el holocausto urdido por Skynet/Dios. Pero, en fin, al menos hace honor a su condición de propuesta totalmente “desangelada”.

¿Una trilogía?

Se dice que la intención de Scott Stewart era la de hacer de ‘Legión’ una trilogía, pero a juzgar por la escasa repercusión crítica y en taquilla difícilmente va a prolongarse en la gran pantalla. Como mucho, sus posibles secuelas nos llegarán directamente en formato de vídeo doméstico. Pero, el gran enigma que encierre la película es sobre todo preguntarse: ¿qué hace un actor de la talla de Paul Bettany, interpretando al Arcángel Miguel, defensor de los humanos y con un manual de instrucciones tatuado en su piel (sic), metido en este desaguisado? Por si fuera poco, el actor británico ha repetido con el mismo director en ‘Priest’, a estrenarse, tal vez, en la primavera de 2011.







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Parece mentira que no se haya estrenado aquí, ni en cines ni en vídeo, la película de terror francesa 'Martyrs', dirigida por Pascal Laugier y protagonizada por Mylène Jampanoï, una de las propuestas más radicales y estimulantes que ha dado el género en los últimos años.

Y no es que precisamente yo la considere especialmente buena (pero muy superior a cosillas tipo 'Paranormal Activity'), pero es uno de esos títulos que los aficionados al género deben ver, y que algunos recordarán porque a su paso en diversos festivales, como en Sitges hace un par de ediciones, había espectadores que sufrían vómitos y mareos a causa de su visionado.

Un filme radical y difícil, sí, pero también hecho con la típica qualité y elegancia estilística francesa. Y una película, como decía, clave del género que al menos no ha pasado desapercibida para los norteamericanos que ya están preparando la correspondiente versión hollywoodiense.

De momento sólo hay el que Paramount haya encargado la escritura del guión adaptado a Mark L.Smith, guionista de 'Habitación Sin Salida' o 'The Hole' (la película en 3D, también inédita en nuestras pantallas, de Joe Dante).

Lo malo es que junto a Paramount también está Platinum Dunes, la productora de Michael Bay, Brad Fuller y Andrew Form, y que ha realizado reinicios tan olvidables como los de 'La matanza de Texas', 'Viernes 13' o la nueva 'Pesadilla en Elm Street' (en la que la crítica estadounidense ha señalado que de terror, tensión y sustos más bien pocos, pese a su cuidado diseño).

Fuente: Bloody Disgusting




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Desde las secuelas de títulos de éxito como 'Toy Story 3D', 'Sexo en Nueva York 2', 'Shrek 4', 'Predators' o 'Eclipse'; a los inevitables remakes o reboots, tipo 'Pesadilla en Elm Street' o 'The Karate Kid'; adaptaciones de series u otras fuentes, 'El equipo A' o 'Airbender: El último guerrero'; a guiones también originales para la gran pantalla: 'Knight & Day' o 'Origen (Inception)'.

Todo el cine que, presumiblemente, puede ser un taquillazo en los próximos meses en el reportaje especial que le han dedicado en Sensacine




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Os las dejo aquí.

En noviembre se estrenará la primera parte de la película.

No si Bay de tonto tiene un pelo y encima le queda bien.

El trailer:

‘Two Lovers’ es el credencial definitivo para considerar a James Gray como uno de los grandes directores norteamericanos de la actualidad. Alguien con estilo y personalidad propia, pues es su labor de trabajo y creación en la puesta en escena lo que le da carácter y entidad a esta su nueva película.

Después de haber destacado con tres notables thriller, sobre todo con ‘La noche es nuestra’, el filme inmediatamente anterior a ‘Two Lovers’, Gray prueba con otro género clásico como es el melodrama sin intentar crear escuela ni cambiar las cosas. No trata de cuestionarse sus mecanismos, intentar ser original, innovador o darle una vuelta de tuerca sino que filma el melodrama cómo lo hubieran hecho, muy probablemente, maestros del calibre de, pongamos por caso, Douglas Sirk, Frank Borzage, George Cukor o Vincente Minnelli pero ahora, en el siglo XXI.

Además, tenemos a Joaquin Phoenix en la que posiblemente sea su mejor interpretación de su carrera. Interpreta a Leonard, un hombre de unos 35 años con algunos trastornos psicológicos (Leonard es bipolar) que le hacen más vulnerable, más complejo el relacionarse sentimentalmente, entre cierto autismo y en apariencia con una menor madurez, digamos, de la que cabría esperar en un adulto de su edad (durante una cena, Leonard muestra sentirse más cómodo jugando con un niño que interactuando en la conversación con el resto de adultos).

LA OBSESIÓN RUBIA


El guión es sencillo pero notable. La historia de Leonard que de un nuevo intento de suicidio (la escena que abre la película) tras un fracaso sentimental, pasa en pocas horas de haber podido estar muerto a cruzarse con dos mujeres, dos amores entre los que se debatirá aunque él tenga claro a quién de las dos prefiere. Es también un material con el que en manos de la mayoría de directores habría caído en el drama romántico más tópico, facilón y previsible, o directamente en el telefilme de sobremesa.

James Gray lo encauza de otro modo, con las ideas muy claras y con maestría, dándole un tratamiento por medio de las imágenes o a través de las lecturas de su guión que van más allá de la historia de amores, imposibles o no, que nos está contando en primer plano. Su puesta en escena es estilizada, elegante y también oscura. Predominan los interiores o las escenas nocturnas, incluso al amanecer, con poca luz. Una oscuridad vinculada a esa personalidad de su protagonista, soterrada, sombría y difícil de apreciar a los ojos de los demás. 

Sobre los dos amores del protagonista masculino están la morena Sandra (Vinesa Shaw), dulce, sensible y educada; y la rubia y carnal Michelle (Gwyneth Paltrow), una vecina nueva de su bloque, independiente y divertida. Sandra es la opción más segura y cómoda porque ella le quiere y porque los padres de ambos, por temas de negocios familiares, aprueban y desean que se formalizara una unión matrimonial entre ellos. Mientras que Michelle ejemplifica lo más irracional e incontrolable del deseo, es el amor que realmente quiere Leonard, un amor imposible que ilustraría la inspiración para el filme de la obra ‘Noches blancas’ de Dostoievski, el de sentirse irremisiblemente, de manera obsesiva, atraído por alguien sin apenas conocer a esa personal. En el caso de la muy carnal Michelle (y Paltrow realiza una de sus mejores interpretaciones en años), tampoco no tardará en revelarse como alguien muy vulnerable, con severos problemas sentimentales.

UN POSO AMARGO


Gray filma uno de los principales encuentros a solas entre Michelle y Leonard, el primero en la azotea, con él acudiendo a la llamada de ella al amanecer, encuadrados a corta distancia pero desde lejos, a través de las ventanas y aperturas de la caseta, indicándonos que, a pesar de lo que desea Leonard, aún son sólo amigos. Una manera de filmar que contrastará posteriormente de nuevo con la pareja en el mismo lugar y con la cámara ya más cercana a los dos.

La atracción de Leonard hacia Michelle es tan superior a él que incluso en la escena de cama con Sandra, las panorámicas de la cámara, al inicio y al final en el transcurso de una noche de amor consumado, nos acaban llevando hacia esa ventana de la vecina Sandra, recordándonos su presencia, la obsesión que tiene el protagonista, siempre con ella en mente aunque esté acostándose, intentando amar, a otra mujer.

Y está el fuerte simbolismo del seno familiar como núcleo protector, también represor de otros deseos y libertades, y del que curiosamente Leonard ha intentado siempre levantar el vuelo del nido de sus padres e ir por libre… sin éxito. Son especialmente significativas las escenas con Isabella Rossellini, como la madre del protagonista, vigilante pero que únicamente quiere la felicidad de su hijo. 'Two Lovers' culmina en un final que a primera vista puede parecer conservador, pero que esconde una terrible amargura y tristeza. Sólo cabe reprocharle un ritmo irregular, en ocasiones algo tedioso, pero es también de esas películas que perduran después de su visionado.








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Pues sí. Hollywood se fija cada vez más en los jóvenes valores de la dirección españoles, y una major como es la 20th Century Fox (aunque más memorable últimamente por producir bodrios, tipo 'Dragonball: Evoluiton'. que entretenimientos dignos) está a punto de contratar al barcelonés Daniel Benmayor para dirigir... 'Hitman 2'.

La adaptación del famoso videojuego, especialmente por su violencia, tendrá una nueva películas después de que el francés Xavier Gens ('Frontière(s)') se hiciera cargo de la primera, con más pena que gloria, porque tampoco es que fuera un gran éxito en taquilla, pero su bajo presupuesto de 30 millones de dólares la hizo algo rentable, sobre todo cuando llegó al mercado doméstico.

Seguramente Timothy Olyphant repetirá en el papel del Agente 47, un asesino a sueldo implacable resultado de unos experimentos genéticos. En cuanto a la que fue su compañera en 'Hitman', la ucraniana Olga Kurylenko ('Quantum of  Solace'), no estará en esta secuela.

Y para Daniel Benmayor, curtido sobre todo en publicidad, y que debutó el verano pasado con 'Paintball', antes se estrenará su próximo largometraje. Se trata de 'Bruc' basada en la leyenda del timbaler del Bruc, la de un muchacho que hizo retroceder el ejército francés en 1808, durante la invasión napoleónica, haciendo sonar y resonar los golpes de su tambor por entre las montañas de Montserrat (Barcelona), lo que atemorizó al enemigo creyendo que estaban rodeados por una gran cantidad de soldados españoles.

Sobre 'Hitman 2', no sé si llegará a estrenarse en los cines o pasará directamente a DVD y Blu-ray, pero al menos para Benmayor significará su tarjeta de presentación en Hollywood.





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Pero estaremos atentos a novedades al respecto.

Fuente: E.S.A.

Lo que no me convence son las actrices, pero en fin, puede que no sea para tanto.

Os dejo con el trailer nuevo:

El biopic sobre Frank Sinatra que prepara Martin Scorsese está dando que hablar. Son dos genios, por un lado La Voz y por el otro el director de 'Uno de los nuestros'. Pero uno de los interrogantes que continuan abiertos es saber quien interpretará al inimitable crooner.

Y Scorsese se ha manifestado, aunque no sé si del todo en serio o no al decir: "He pensado mucho quién podría resucitar a Frank Sinatra en la pantalla. Mi elección es Al Pacino". Pero cabe recordar que Al Pacino tiene ya 70 años, así que o habrá que recurrir a grandes dosis de maquillaje y prótesis o bien quizás haya más de un actor encarnando al cantante, porque el principio el argumento no contempla centrarse sólo en los últimos años de la vida del cantante.

Lo mismo aplicado al actor que asumirá el rol de Dean Martin, el gran compañero de Sinatra, y que será interpretado por... Robert De Niro.

¿Nueva colaboración entre De Niro y Al Pacino, y además con Scorsese en una que no sea de gangsters? Bueno, veremos cómo trata esta biografía, más o menos autorizada, las relaciones del Sinatra con la Mafia.

Visto en The Playlist




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Desde que el popular videojuego “Prince of Persia” reapareciera, 15 años después, en las consolas de última generación, su salto a la gran pantalla podía darse por hecho. Por aquél entonces y tras un paso en falso titulado “Prince of Persia 3D”, “Las arenas del tiempo” fue toda una revolución para los gamers al integrar como nadie una experiencia cinematográfica de lo más avanzada con la condenada adicción de su sorprendente sistema de juego, que convertía al personaje -y por extensión, al jugador- en un saltimbanqui que lo mismo trepaba por una columna que se subía por las paredes, se descolgaba de vertiginosos tendederos o surfeaba saltando de roca en roca en pleno desmoronamiento de un edificio.

Ahora que buena parte del cine comercial se ha convertido en una suerte de videojuego pasivo, Mike Newell (director de “Harry Potter y el cáliz de fuego”) ha sido el encargado de convertir en dicho saltimbanqui al espectador, para lo que ha contado con la supervisión del especialista en bombazos taquilleros Jerry Bruckheimer.

La idea, según puede apreciar quien no esté demasiado atareado en buscarle peros -carentes de sentido- a la película que nos ocupa, es la de reducir la pasividad propia del formato cinematográfico y acercarse todo lo posible a la interacción consolera, dándole una vuelta de tuerca más a lo que ya probó Andrzej Bartkowiak con su infravalorada (aunque igualmente mediocre) versión para cines de “Doom”. Si en aquella los últimos veinte minutos se convertían en un shoot 'em up en primera persona, ahora la cámara de Newell va más allá, y muestra además los objetivos a los que tiene que llegar el personaje si quiere superar las diversas pruebas de su aventura o, si se quiere, pasar a la siguiente pantalla. Esto es, si el príncipe Dastan quiere entrar en el palacio de Alamut, debe hacerlo atravesando dos puertas bloqueadas por mecanismos enrevesados, y la película nos los muestra antes de tiempo para que nosotros, jugadores, nos hagamos a la idea y seamos capaces, en caso de necesitarlo, de controlar al protagonista y llevarlo hasta su meta. Como un buen puñado de videojuegos, en definitiva. Qué curioso que el poder de la daga de las arenas del tiempo, el Macguffin del film, permita precisamente volver atrás en el tiempo vislumbrando lo que está a punto volver de suceder, para poder cambiarlo como corresponda y evitar el game over...

Limitándonos a aspectos más pragmáticos de la película, obviamente cabe reconocer que no es el acabóse artístico ni, y esto ya es menos obvio y más imperdonable, técnico.


Su guión, más allá de una ambientación exótica y una premisa de intrigas entre lo místico y los juegos de coronas y herederos, recorre una senda ya conocida, por lo que pocas son las resoluciones originales con que puede quedarse el espectador y la sensación de déjà vu que últimamente asola a cada producción norteamericana aquí vuelve a hacer acto de presencia con molesto vigor, especialmente en los últimos minutos.

Ahora bien, sus guionistas -de pasado profesional muy oscuro- demuestran conocer a la perfección la saga de videojuegos que da título al film, quedando patente tanto en los numerosos guiños a la misma como en una continua guerra de pullas, bromas y atracción sexual inconfesa entre los personajes principales (Jake Gyllenhaal y Gemma Arterton) quizás excesivo para los oídos de un neófito pero más que bienvenido para un jugador que, si así lo deseara, podría escucharlos sin pausa a lo largo de toda la partida. Tales gags verbales son una de las principales señas de los juegos, igual que los imposibles saltos y escaladas a los que se hacía alusión algo más arriba.

Por supuesto, tales imposibles de la física requieren un esfuerzo extra por parte del espectador -el riesgo de caer en el ridículo es muy elevado- motivos por el cual, seguramente, se han visto muy reducidos en comparación con la fuente original. Siguen estando ahí, y en ocasiones son tan espectaculares como cuando se realizan en la consola -véanse los primeros y maravillosos veinte minutos del film-, pero Newell & Bruckheimer parecen haber preferido darle más importancia a las peleas físicas antes que a los espectáculos circenses, y es justamente por ahí por donde se encuentra el verdadero punto flaco a su producción.

Con un montaje absolutamente demencial, “Prince of Persia: las arenas del tiempo” hace de cada pelea un insufrible videoclip a base de precipitados cortes, ralentizaciones horteras y enfermizos primeros planos, hasta llegar a desear que Michael Bay pase por ahí a poner algo de calma. Cualquier intento de comprensión se antoja fantacientífico, y lo único que se desea durante su visionado es que acaben lo antes posible para volver a relajar la vista y alejar la amenazadora migraña que asoma. Comprobar lo breves y ajustadas que son cada una de las peleas es toda una bendición caída del cielo.

Además de este borrón que, de nuevo, tiende a detectarse en todo blockbuster similar, uno se puede quejar del manido guión, de la falta de seriedad general o de la poca enjundia de sus principales intérpretes (el único digno de mención es un desquiciado Alfred Molina). Toda la razón del mundo pero, francamente, dichas críticas a una producción como esta suenan más a pucheros de niño consentido que a un acercamiento acorde a las limitaciones del género. Y es que, y “Prince of Persia: las arenas del tiempo” no es la excepción, las superproducciones veraniegas buscan como principal y casi único objetivo entretener al personal a base de aventuras y acción a raudales, y un humor simple y universal. Cuando lo consiguen, que ya es mucho (y si no que se lo digan al último ladrillo de Ridley Scott) ya lo tienen todo ganado, y cualquier añadidura artística será más que bienvenida, pero en ningún caso necesaria.

En esta ocasión, y pese a que los efectos especiales rayan muy por debajo de lo esperado en los tiempos que corren (algo de lo que se resiente en exceso el poco acertado clímax), el objetivo se logra con creces, y le pese a quien le pese, “Prince of Persia” se convierte en todo un espectáculo para disfrutar con una coca-cola fría y un buen cuenco de palomitas.

Quien quiera algo más, que vaya a ver lo último de Kiarostami.

Por el Capitán Spaulding, del blog La casa de los horrores






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